L'histoire

Chronologie de la sculpture celtique antique

Chronologie de la sculpture celtique antique


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

  • c. 600 avant notre ère

    Le guerrier Hirschlanden, une représentation en grès d'un guerrier celtique de Ludwigsburg, en Allemagne, est fabriqué.

  • c. 600 avant notre ère

    Le Strettweg Cult Wagon, un wagon celtique miniature en bronze, est fabriqué.

  • c. 500 avant notre ère

    Le pilier celtique de Pfalzfeld, une colonne en pierre à quatre côtés montrant des têtes humaines, est fabriqué.

  • 450 AEC - 400 AEC

    Le 'Prince de Glauberg', une statue de grès d'un guerrier celtique, est fait.

  • c. 200 avant notre ère

    La tête de grès celtique Mšecké Žehrovice est faite.

  • c. 200 avant notre ère

    La «Tarasque de Noves», une statue en calcaire celtique d'un chien mangeant un humain, est réalisée.

  • c. 100 avant notre ère

    La figure en bronze connue sous le nom de « Dieu de Bouray », probablement une représentation du Cernunnos celtique, est réalisée.

  • c. 100 avant notre ère

    Le granit Turoe Stone de Celtic Galway est fabriqué.

  • 50 AEC - 100 EC

    Le masque de cheval Stanwick, un masque décoratif en bronze de la Grande-Bretagne celtique, est fabriqué.


Art celtique

art celtique est associé aux peuples connus sous le nom de Celtes ceux qui parlaient les langues celtiques en Europe de la préhistoire à l'époque moderne, ainsi qu'à l'art des peuples anciens dont la langue est incertaine, mais qui ont des similitudes culturelles et stylistiques avec les locuteurs des langues celtiques .

L'art celtique est un terme difficile à définir, couvrant une vaste étendue de temps, de géographie et de cultures. Un cas a été fait pour la continuité artistique en Europe à partir de l'âge du bronze, et même de l'âge néolithique précédent, mais les archéologues utilisent généralement « celtique » pour désigner la culture de l'âge du fer européen à partir d'environ 1000 avant JC, jusqu'à la conquête par les Romains. Empire de la plupart du territoire concerné, et les historiens de l'art ne commencent généralement à parler d'« art celtique » qu'à partir de la période de La Tène (largement du Ve au Ier siècle av. J.-C.). [1] Art celtique ancien est un autre terme utilisé pour cette période, qui s'étend en Grande-Bretagne jusqu'à environ 150 après JC. [2] L'art du Haut Moyen Âge de Grande-Bretagne et d'Irlande, qui a produit le Livre de Kells et d'autres chefs-d'œuvre, et c'est ce que "l'art celtique" évoque pour une grande partie du grand public dans le monde anglophone, est appelé l'art insulaire dans l'histoire de l'art . C'est la partie la plus connue, mais pas la totalité, de l'art celtique du Haut Moyen Âge, qui comprend également l'art picte d'Écosse. [3]

Les deux styles ont absorbé des influences considérables de sources non celtiques, mais ont conservé une préférence pour la décoration géométrique par rapport aux sujets figuratifs, qui sont souvent extrêmement stylisés lorsqu'ils apparaissent, les scènes narratives n'apparaissent que sous une influence extérieure. [4] Les formes circulaires énergiques, les triskèles et les spirales sont caractéristiques. Une grande partie du matériel survivant est en métal précieux, ce qui donne sans aucun doute une image très peu représentative, mais à part les pierres pictes et les hautes croix insulaires, la grande sculpture monumentale, même avec une sculpture décorative, est très rare. Peut-être que les quelques personnages masculins debout trouvés, comme le guerrier de Hirschlanden et le soi-disant « seigneur de Glauberg », étaient à l'origine communs dans le bois.

Le terme couvre également l'art visuel du renouveau celtique (dans l'ensemble plus remarquable pour la littérature) du XVIIIe siècle à l'ère moderne, qui a commencé comme un effort conscient des Celtes modernes, principalement dans les îles britanniques, pour s'exprimer. -identification et nationalisme, et est devenu populaire bien au-delà des nations celtiques, et dont le style est toujours d'actualité sous diverses formes populaires, des monuments funéraires de la croix celtique aux tatouages ​​​​entrelacés. Coïncidant avec les débuts d'une compréhension archéologique cohérente des périodes antérieures, le style utilisait consciemment des motifs étroitement copiés d'œuvres des périodes antérieures, plus souvent l'Insulaire que l'âge du fer. Une autre influence fut celle de l'art « végétal » tardif de La Tène sur le mouvement Art nouveau.

Typiquement, l'art celtique est ornemental, évitant les lignes droites et n'utilisant qu'occasionnellement la symétrie, sans l'imitation de la nature au cœur de la tradition classique, impliquant souvent un symbolisme complexe. L'art celtique a utilisé une variété de styles et a montré des influences d'autres cultures dans leurs entrelacs, spirales, motifs clés, lettrage, zoomorphisme, formes végétales et figures humaines. Comme l'a dit l'archéologue Catherine Johns : " L'art celtique sur une large étendue chronologique et géographique est un sens exquis de l'équilibre dans la disposition et le développement des motifs. Les formes curvilignes sont disposées de sorte que des zones et des espaces remplis positifs et négatifs se forment un ensemble harmonieux. Contrôle et retenue ont été exercés dans l'utilisation de la texture et du relief de la surface. Des motifs curvilignes très complexes ont été conçus pour couvrir avec précision les surfaces les plus difficiles et les plus irrégulières". [5]


Chronologie de la sculpture celtique antique - Histoire

L'histoire de l'art est l'école d'études académique basée sur l'art et son histoire de développement ainsi que sur le contexte stylistique (format, design, look, genre). Cela inclut les grandes formes telles que l'architecture ainsi que les formes mineures telles que les objets décoratifs.

L'histoire de l'art peut être étudiée de plusieurs manières et se décompose en plusieurs disciplines coexistantes. Les factions comprennent, sans s'y limiter, les connaisseurs, les critiques et les historiens de l'art universitaires.

Art préhistorique

L'art préhistorique comprend tous les arts et métiers qui sont produits dans des cultures qui n'ont pas développé le langage écrit et la tenue de registres. L'art d'une culture n'est plus décrit comme préhistorique lorsqu'il développe l'écriture et la tenue de dossiers ou qu'il a établi un lien significatif avec une autre culture qui l'a fait.

Proche-Orient ancien

Le développement de l'art dans les sociétés du monde antique serait caractéristiquement différent de ce qu'il était dans les sociétés préhistoriques. L'histoire de l'art dans les manuels scolaires du Proche-Orient ancien comprendrait l'art des sociétés mésopotamienne, sumérienne, akkadienne, néo-sumérienne, babylonienne, hittite, élamite, assyrienne, néo-babylonienne, achémide, perse et sassanide.

Art égyptien antique

Cette catégorie d'art comprend l'art qui appartient à la civilisation située dans la vallée du Nil de 5000 avant JC à 300 après JC. Les œuvres d'art égyptiennes étaient très stylisées et symboliques à cette époque, la peinture et la sculpture étant l'art le plus populaire. La qualité de l'art égyptien tout au long de la période antique a été observée comme étant de haute qualité et est restée assez stable de 3000 avant JC à 300 après JC avec peu d'influence des cultures extérieures.

Art grec

L'art grec s'est principalement spécialisé dans l'architecture et la sculpture. L'art grec a influencé à la fois l'Occident et l'Orient. Non seulement l'art dans l'Empire romain a attiré l'influence grecque, mais à l'Est, les conquêtes d'Alexandre le Grand ont facilité des siècles de contact entre les cultures indienne, d'Asie centrale et grecque. L'art gréco-bouddhique était un héritage de cette interaction. Les attentes hautement techniques des Grecs influenceront l'art en Europe pendant de nombreuses générations. Au XIXe siècle, les traditions artistiques grecques dominaient tout le monde de l'art occidental.

Art Romain

L'art romain s'étend sur la Rome antique ainsi que sur les territoires de l'Empire romain. Alors que l'on pense que l'art romain a emprunté à l'art grec (sur lequel il s'appuyait assez fortement), il contient également des éléments de la culture étrusque, égyptienne et italique indigène. Un éminent historien de Rome, Pline, a écrit que si de nombreuses formes d'art avancées à l'époque grecque sont restées plus avancées que l'art romain, même pendant les périodes importantes de Rome.

Art paléochrétien

L'art paléochrétien spécifie les œuvres d'art produites par les chrétiens dans la période 100-500. L'art avant 100 ne pouvait pas être distingué comme chrétien sans incertitude. Au-delà de 500, l'art des chrétiens dépeint des éléments de l'art byzantin.

L'art chrétien était difficile à suivre. L'une des raisons est que la plupart des chrétiens ont été persécutés et ont été empêchés de produire des œuvres d'art. Ils peuvent également être constitués de classes inférieures, ce qui se traduit par le manque de mécénat pour la création artistique. En dehors de cela, les restrictions scripturaires désapprouvaient la production de bois ou de pierre sculptée sous la forme d'une idole. Les chrétiens ont peut-être acheté des symboles païens, mais y ont transféré l'idéologie chrétienne.

Art byzantin

L'art byzantin désigne l'art créé sur les territoires de l'Empire byzantin entre le IVe et le XVe siècle. L'Empire byzantin était la continuation politique de l'Empire romain, et donc l'héritage artistique classique se perpétue à travers l'art byzantin. Constantinople, la capitale byzantine, était ornée de grandes quantités de sculptures classiques.

La caractéristique la plus marquante de l'art byzantin était qu'il est devenu plus abstrait, privilégiant le symbolisme plutôt que les représentations réalistes.

L'art en Europe ancienne

Cette catégorie comprend l'art des sociétés européennes et germaniques avant la christianisation de l'Europe. Certaines d'entre elles incluent les sociétés scythe, celtique, européenne de l'âge du fer, ango-saxonne et viking.

Art islamique

Cette catégorie englobe l'art produit au VIIe siècle et au-delà par des personnes résidant dans des lieux habités ou dirigés par des populations culturellement islamiques. L'art islamique ne comprend pas nécessairement que l'art religieux. Il comprend également des éléments d'autres aspects de la société islamique. Certains théologiens islamiques ont activement découragé les éléments séculiers dans l'art.

L'art islamique comprend l'utilisation extensive de la calligraphie décorée et l'utilisation de l'arabesque, la répétition géométrique de motifs végétaux ou floraux.

Art médiéval ancien

L'art de l'époque médiévale était principalement religieux, financé par des personnalités influentes de l'Église telles que des évêques, des abbayes ou de riches mécènes laïques. Un élément distinctif de l'art médiéval concerne le manque de réalisme. Avec l'effondrement de l'Empire romain est venu la perte de la connaissance du réalisme et du dessin en perspective. Malgré cela, l'art était utilisé à cette époque pour véhiculer une idéologie religieuse, et l'art iconique était souvent suffisant pour une telle tâche.

Art gothique

L'art gothique a suivi une progression de l'art médiéval qui est née de la France de la tradition de l'art roman au milieu du XIIe siècle, fer de lance du développement de l'architecture gothique. Il est devenu populaire au nord des Alpes, mais n'a jamais tout à fait dépassé les styles classiques italiens. Le gothique international s'est développé à la fin du XIVe siècle, se développant encore jusqu'à la fin du XVe siècle. L'art gothique tardif s'est développé en Allemagne ainsi que dans de nombreuses régions jusqu'au XVIe siècle. L'art gothique éminent comprend la peinture sur panneau, la sculpture, le manuscrit enluminé, la fresque et le vitrail.

Art de la Renaissance en Italie

L'art du début de la Renaissance a émergé dans la cité-État italienne de Florence. Cela a commencé avec Donatello et sa renaissance des techniques classiques telles que le contrapposto et des sujets tels que le nu sans support. De nombreux artistes lui succèdent, étudiant des idées perdues comme l'architecture romaine. Un grand nombre d'artistes majeurs, tels que Brunelleschi, Donatello, Giotto et Lorenzo Ghiberti ont travaillé sur la cathédrale de Florence.

Au XVe siècle, l'art de la Renaissance a progressé davantage, étant appelé la Haute Renaissance au XVIe siècle. Les artistes éminents de cette époque comprennent Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti et Raffaello Sanzio. Bien qu'il n'y ait pas de styles distincts de « Renaissance » en soi au cours de cette période, l'art des maîtres de la Haute Renaissance se caractérise tous par une habileté technique étonnante. L'art de la Haute Renaissance commandait une telle autorité qu'ils seraient utilisés comme référence pour l'instruction pour de nombreuses générations à venir. Les artistes pouvaient déclarer l'inspiration divine, élevant le niveau de l'art à un statut autrefois limité à la poésie. L'art deviendrait une profession respectable qu'elle n'avait pas été.

Art de la Renaissance hors d'Italie

L'art de la Renaissance en dehors de l'Italie est souvent appelé Renaissance du Nord, ce qui fait référence au fait que la majeure partie de l'Europe en dehors de l'Italie se trouve au nord. Le réalisme dans l'art respecté en Italie n'a influencé le Nord qu'à la fin du XVe siècle. L'influence gothique est restée populaire même jusqu'au début des styles baroques. De nombreux artistes du nord du XVIe siècle se sont rendus à Rome pour s'en inspirer, qu'ils ont souvent trouvés dans l'art de la Haute Renaissance.

Alors que les peintres italiens étaient plus sensibles aux styles gréco-romains, l'art germanique et néerlandais avait tendance à être de nature plus religieuse et mythologique. L'art de la Renaissance du Nord s'est également spécialisé dans la peinture de genre et de paysage.

Art baroque

L'art baroque s'est développé aux XVIIe et XVIIIe siècles. Il est considéré comme faisant partie de la Contre-Réforme, le mouvement qui cherchait à reconfigurer l'Église catholique en réponse à la Réforme protestante. L'art baroque accordait une grande importance aux détails et aux décorations trop ornées. Il deviendra Rococo au milieu du XVIIIe siècle, encore plus richement décoré et criard. Le mépris pour une telle ornementation finirait par inspirer le néoclassicisme.

Art du XVIIIe siècle

L'art du XVIIIe siècle comprend le baroque tardif au début du XVIIIe siècle, le rococo au milieu du XVIIIe siècle, le néoclassicisme du XVIIIe au XIXe siècle et le romantisme à la fin du XVIIIe et au XIXe siècle. Les styles baroque et rococo étaient très ornés et les artistes de ces styles servaient souvent les rois. Le rococo qui succède au baroque est rapidement tombé en disgrâce à la mort de Louis XIV. Le dégoût pour lui des artistes et du public ouvre la voie au développement du néoclassicisme.

Les néoclassiques ont cherché à revenir à l'art plus simple de la Renaissance par dégoût pour la grandeur des styles baroque et rococo. Certains des néoclassiques les plus renommés incluent Canova, Ingres et Jacques-Louis David.

Le romantisme est né du rejet d'un certain groupe d'individus des idées des Lumières et de l'art des néoclassiques. L'art romantique s'est concentré sur l'utilisation du mouvement et de la couleur pour transmettre des émotions, par opposition à l'utilisation classique de la mythologie et des traditions gréco-romaines. Le romantisme mettait l'accent sur la représentation de la beauté et du pouvoir de la nature.

Art du 19ème siècle

L'art au 19ème siècle a commencé avec la continuation du néo-classicisme et du romantisme jusqu'au milieu du siècle. Après cela, une nouvelle classification de l'art est devenue populaire : le modernisme. La date 1863 est communément identifiée comme le début de l'art moderne, c'est l'année où Edouard Manet expose le tableau « Le déjeuner sur l'herbe » à Paris. Cela ne veut pas dire qu'il est le père de l'art moderne, cependant, car il y en avait aussi beaucoup d'autres qui se sont lancés dans de nouveaux styles qui constitueraient tous la période de l'art connue sous le nom de modernisme.

Art du XXe siècle

L'art du 20e siècle est devenu le modernisme, qui a commencé au 19e siècle. Des mouvements tels que le post-impressionnisme et l'art nouveau du siècle précédent ont conduit à Die Brucke en Allemagne ainsi qu'au fauvisme en France. Le cœur de Die Brucke a conduit à ce qu'on a appelé l'expressionnisme qui a fait appel aux émotions. Kandinsky de Munich a dirigé un autre groupe allemand appelé Der Blaue Reiter, qui associait l'imagerie du cavalier bleu à l'art spirituel/mystique du futur. Le cubisme de Picasso a rejeté les idées plastiques de la Renaissance en introduisant des dimensions multiples aux images bidimensionnelles.

Art contemporain

L'art contemporain est le plus souvent associé à la production depuis la Seconde Guerre mondiale. Les expositions d'art contemporain se déroulent généralement dans les musées et autres institutions artistiques similaires. Ces lieux sont gérés par des artistes et sont soutenus par des récompenses, des subventions, des prix et des ventes directes d'œuvres exposées.

Les institutions d'art contemporain sont souvent critiquées pour leurs comportements exclusivistes, ou plus précisément, leurs tendances à réglementer ce qui peut ou ne peut pas être considéré comme de l'art contemporain. L'art brut, techniquement contemporain car créé à l'époque actuelle, pourrait être largement ignoré par les institutions d'art contemporain car les artistes sont autodidactes et travaillent donc au-delà de tout contexte historique de l'art.

Estampes/Estampes

La gravure est le processus de création d'art par l'impression (généralement sur papier). La gravure diffère de la photographie en ce qu'elle contient un élément de production originale, par opposition à la reproduction d'une image, comme en photographie. Chaque tirage est fait pour être une copie unique avec des qualités originales prêtées par les procédés de gravure, ce qui contraste avec la photographie dans laquelle une copie peut être faite en plusieurs multiples.

Les impressions sont réalisées en transférant l'encre d'écrans ou de matrices préfabriqués sur un support papier. Des exemples de matrices sont les plaques de cuivre ou de zinc, les plaques de polymère pour la gravure et la gravure d'aluminium, de pierre ou de polymère pour la lithographie, les blocs de bois pour les gravures sur bois et les gravures sur bois et le linoléum pour les linogravures.

La photographie

La photographie est le processus de création d'images en laissant le rayonnement brûler sur un film ou des capteurs d'image sensibles aux rayonnements. Au cours du vingtième siècle, les gens ont commencé à défendre et à accepter la photographie comme des beaux-arts. Aux États-Unis, des photographes comme Edward Steichen, John Szarkowski, Alfred Stieglitz, Edward Weston et F. Holland Day ont passé leur vie à promouvoir la photographie en tant que beaux-arts. Cela a abouti à un mouvement appelé Pictorialisme, utilisant des foyers doux pour des photographies oniriques et romantiques. Une réaction à cela a été l'appel à la photographie directe, qui consistait à photographier des objets tels qu'ils étaient et non comme des imitations ou des représentations d'autres choses.

Art chinois

L'art en Chine remonte à 10 000 av. J.-C., composé de sculptures et de poteries simples. Après cette période, il y eut une série de dynasties artistiques, chacune d'une durée de quelques centaines d'années. L'art en République de Chine à Taïwan et dans d'autres communautés chinoises d'outre-mer peut être considéré comme de l'art chinois car il provient de la culture et du patrimoine de la Chine.

Art Japonais

L'art japonais a une longue histoire, commençant dès 10 000 avant JC jusqu'à nos jours. Il s'agit d'une variété de styles, y compris la poterie ancienne, la sculpture en bois et en bronze, et la soie ou le papier encré. L'art japonais moderne comprend également des mangas ou des dessins animés.

Historiquement, le Japon était vulnérable aux apparitions soudaines d'idées nouvelles et étrangères, pour être suivies de périodes d'isolement de longue durée et de contacts minimes avec le monde en dehors du Japon. Au fil du temps, les Japonais ont absorbé et assimilé des éléments de cultures étrangères avec leurs propres goûts esthétiques indigènes. Aux VIIe et VIIIe siècles, le Japon développa un art complexe avec la diffusion du bouddhisme. Au neuvième siècle, le Japon a commencé à moins dépendre de l'influence chinoise et a développé des formes d'art indigènes. L'art profane a commencé à s'épanouir de plus en plus. Jusqu'à la fin du XVe siècle, l'art religieux et l'art profane étaient populaires. Cependant, avec la guerre d'Onin, le Japon a connu un siècle de troubles économiques, politiques et sociaux. Après cela, avec l'émergence de l'État du shogunat Tokugawa est venu le déclin de la religion, et les arts survivants sont devenus en grande partie laïques.

L'art en Inde

L'art indien est originaire de l'Inde dans les 3000 avant JC, allant vers le présent. Comparé à l'art occidental, l'art indien est plus fleuri et sensuel. Un design fort est caractéristique de l'art indien à la fois dans les temps anciens et modernes.
L'art indien est généralement classé en quatre périodes spécifiques :
-Ancien (3500 avant JC – 1200 après JC)
-Ascendance islamique (1192-1757)
-Colonial (1757-1947)
-Indépendance et postcolonial (post-1947)

L'art en Asie du Sud-Est

L'art de l'Asie du Sud-Est est associé à la zone géographique qui comprend la Thaïlande moderne, le Laos, le Vietnam, le Cambodge, le Myanmar (anciennement la Birmanie), Singapour, l'Indonésie et la Malaisie. Toutes ces régions sont également connues sous le nom d'Indochine. Les influences viennent principalement de la Chine, de l'Inde et des cultures indigènes. De tous les pays d'Asie du Sud-Est, le Vietnam a le plus d'influence de la culture chinoise. Dans de nombreuses cultures d'Asie du Sud-Est, l'influence hindoue est conservée malgré la conversion islamique.

Art Africain

L'art d'Afrique constitue l'une des créations les plus diverses, en raison du grand nombre de sociétés et de civilisations indépendantes, chacune avec sa propre culture artistique. L'art africain comprend également l'art des Dissporas africaines, comme les Afro-Américains. Les caractéristiques communes à la plupart des arts de la culture africaine incluent : l'accent mis sur les formes humaines, l'abstraction visuelle (par opposition à la représentation naturaliste), l'accent mis sur la sculpture, les qualités tridimensionnelles et la mise à l'échelle non linéaire.

L'art dans les Amériques

L'histoire de l'art dans les Amériques a commencé à l'époque précolombienne avec les cultures indigènes. Cette catégorie fait référence aux arts des peuples autochtones des Amériques de l'Antiquité à nos jours. Les peuples autochtones mentionnés comprennent ceux d'Amérique du Sud, d'Amérique méso et d'Amérique du Nord, y compris le Groenland.

Art des cultures du Pacifique

Les cultures de l'art du Pacifique font référence à celles des régions océaniques de l'Australie actuelle, de la Mélanésie, de la Micronésie et de la Polynésie, y compris des régions allant jusqu'à Hawaï et à l'île de Pâques. L'art de ces peuples varie selon les régions et les cultures. Les thèmes du surnaturel et de la fertilité sont les plus courants. Les masques, les tatouages, la peinture, les pétroglyphes, la sculpture sur pierre et sur bois et le textile sont les formes d'art les plus courantes.


3. Les anciens tumulus celtiques révèlent une société complexe.

Ancienne colonie celtique Chysauster Village, un village de la fin de l'âge du fer et romano-britannique de maisons avec cour à Cornwall, en Angleterre.

Géographie Photos/Universal Images Group/Getty Images

Les Celtes étaient loin d'être des sauvages, comme en témoignent la ferronnerie complexe et les bijoux mis au jour dans les anciens forts des collines celtiques et les tumulus funéraires à travers l'Europe. L'un de ces monticules près de Hochdorf, en Allemagne, contenait les restes d'un chef celtique et une multitude d'artefacts indiquant une société celtique complexe et stratifiée.

Le chef Hochdorf&# x2019s monticule date de 530 av. J.-C., ce que les archéologues appellent la fin de la période Hallstatt, lorsque la culture celtique était concentrée en Europe centrale. Le chef était allongé sur un long canapé en bronze avec des roues et vêtu de parures d'or comprenant un tour de cou celtique traditionnel appelé un torc. Il était entouré de cornes à boire ornées et d'un grand chaudron en bronze, qui contenait encore les restes d'hydromel à haute résistance.

Arnold dit que le canapé à roues a été remplacé dans les tumulus celtiques ultérieurs par des chars à deux roues qui transportaient les morts honorés dans l'au-delà. L'équipement à boire souligne le rôle essentiel des festins en tant qu'outil sociopolitique pour les Celtes. Ce que les Grecs et les Romains décrivaient comme « la consommation excessive d'alcool » était en fait un moyen pour les élites celtiques de renforcer leurs liens avec leurs alliés. Et cela a continué dans le grand au-delà.

« Les Celtes croyaient en une sorte de vie après le BYOB », déclare Arnold. “Vous deviez apporter de l'alcool avec vous et organiser une grande fête quand vous êtes arrivé de l'autre côté. Un signe d'un bon leader était la générosité.”


Histoire de la sculpture


Extase de sainte Thérèse (1647-52)
Par le Bernin.

Tout récit chronologique des origines et de l'évolution de l'art tridimensionnel devrait occuper à proprement parler plusieurs volumes, voire toute une bibliothèque de livres. Le compresser en une seule page signifie que la majeure partie de l'histoire est inévitablement omise. C'est quand même une belle histoire ! De la Préhistoire à l'Antiquité classique, en passant par l'époque gothique, la Renaissance et le XXIe siècle, l'histoire de la sculpture est remplie d'artistes extraordinaires - malheureusement anonymes - dont l'expressivité visuelle nous accompagne sous la forme de merveilleuses statues de marbre, de reliefs en pierre et bronzes immortels.

Même aujourd'hui, visitez n'importe quelle cathédrale, ou l'une des grandes villes, places ou bâtiments du monde, et vous êtes certain de voir de grands exemples d'art en 3D.


Les Bourgeois de Calais (1885-95)
Par Auguste Rodin.

TYPES DE SCULPTURE
Pour les bronzes - statues et reliefs,
voir : Sculpture en bronze.
Pour Pentélique, Parian, Carrare
pierre, voir : Sculpture en marbre.
Pour d'autres formes similaires de
sculpture, voir : Sculpture sur pierre.
Pour les sculptures en bois,
voir : Sculpture sur bois.
Pour sculpter dans l'argile, voir :
Sculpture en céramique.

Chronologie de la sculpture d'art

Sculpture préhistorique

La sculpture commence à l'âge de pierre. Quand exactement, on ne sait pas. Les premiers exemples connus sont les deux effigies de pierre primitives connues sous le nom de La Vénus de Berekhat Ram et La Vénus de Tan-Tan. La Vénus de Berekhat Ram (datant d'environ 230 000 avant notre ère ou avant) est une figurine basaltique réalisée pendant la période acheulienne, qui a été découverte sur les hauteurs du Golan. La Vénus de Tan-Tan (vers 200 000 avant notre ère ou avant) est une figurine en quartzite de la même période.

Si ces objets sont des formes pré-sculpturales, la plus ancienne sculpture préhistorique correct a émergé vers 35 000 avant notre ère sous la forme de sculptures d'animaux, d'oiseaux et de figures thérianthropiques, réalisées pendant la période du Périgord inférieur/Aurignacien et découvertes dans les grottes de Vogelherd, Hohle Fels et Hohlenstein-Stadel, dans le Jura souabe, en Allemagne. La première sculpture figurative est la sculpture en ivoire connue sous le nom d'Homme Lion du Hohlenstein Stadel (38 000 avant notre ère).

LES MEILLEURS SCULPTEURS DU MONDE
Pour une liste des 100 meilleurs 3-D
artistes (500 avant notre ère - aujourd'hui),
voir : les plus grands sculpteurs.

MOUVEMENTS, PÉRIODES, ARTISTES
Pour plus d'informations, consultez :
Histoire des arts

CHRONOLOGIE DES BEAUX-ARTS
Pour plus de détails sur le développement
de la peinture et de la sculpture occidentales
voir : Chronologie de l'histoire de l'art.

CARACTÉRISTIQUES DE LA SCULPTURE
En plus d'être le plus durable
forme d'art, la sculpture est certainement
le plus influent. Historiquement,
presque tous les rois, papes et tyrans
ont reconnu la propagande
effet de sculpture inspirante.
Portrait distribué des empereurs romains
bustes d'eux-mêmes à chaque coin
de leur empire l'Église romaine
décoré leurs cathédrales, abbayes
et des églises avec des dizaines de milliers
de statues et de reliefs à
transmettre le message de la Bible
Pharaons, rois et empereurs
de l'Egypte ancienne, de la Perse, de la Grèce
et le monde moderne, ont investi
fortunes en sculpture monumentale
pour commémorer le succès au combat.
Les tyrans modernes, de Staline à Saddam
Hussein, ont érigé des statues comme
monuments à leur règle glorieuse.
Bien sûr, rien ne se compare à la
message inspirant de l'Amérique
Statue de la Liberté, probablement la n°1
œuvre de sculpture propagandiste.
En plus d'avoir un énorme récit
contenu capable de promouvoir un
message spécifique, la sculpture est aussi
un métier ardu dont les créateurs
dépendent fortement des deux outils,
La technologie. Depuis le tout début
cultures-outils du Paléolithique,
le progrès sculptural a été marqué
par la découverte de nouveaux matériaux
et l'équipement. Étonnamment, par le
naissance du Christ, la plupart des
méthodes et techniques traditionnelles
avait déjà été découvert,
y compris le bronze et le
orfèvrerie raffinée pratiquée
par les tribus nomades.
En tout état de cause, pour toutes ces raisons,
l'histoire de la sculpture est étroitement
liés à la politique, à la technologie
et la prospérité financière de la société.
Surtout, son histoire est inextricablement
liés à l'architecture, le parent
art dont les structures forment un tel
maison importante pour la décoration
œuvres sculpturales. Chaque grand
mouvement architectural a été
accompagnée d'une forte demande de
sculptures de toutes sortes.

LES PLUS GRANDES UVRES D'ART DU MONDE
Pour une liste des chefs-d'œuvre de
sculpture, par des sculpteurs à travers le
âges, voir: Greatest Sculptures Ever.

APPRÉCIATION DE L'ART EN 3D
Pour deux essais sur l'art plastique
appréciation, s'il vous plaît voir:
Comment apprécier la sculpture
Art 3D de l'âge de pierre à 1850.
Comment apprécier la sculpture moderne
Sculpteurs 19e/20e siècle.

SENS DE L'ART
Pour en savoir plus sur les différents types,
styles et valeurs des traditions et
art visuel contemporain, voir :
Définition de l'art.

Un autre type précoce de sculpture de l'âge de pierre sont les figurines obèses miniatures appelées Vénus: comme les Vénus de Willendorf, Kostenky, Monpazier, Dolni Vestonice, Moravany, Brassempouy, Gagarino. Fabriquées à partir de matériaux aussi variés que l'os de mammouth, l'argile céramique et la cendre d'os, ainsi que divers types de pierre comme la stéatite, le calcaire oolithique, la serpentine et la roche volcanique, ces figures de vénus ont été localisées dans des sites à travers l'Europe, de la Russie à l'Espagne. Les anthropologues pensent qu'elles ont pu être utilisées dans les rituels de fertilité, bien que la raison pour laquelle les femmes grosses devraient être si emblématiques reste un mystère. (Manque de nourriture ? NDLR).

Sculpture mésolithique (c.10.000-4.000 avant notre ère)

L'art mésolithique a été témoin de plus de bas-reliefs et de sculptures autoportantes telles que les figurines anthropomorphes déterrées à Nevali Cori et Gobekli Tepe près d'Urfa dans l'est de la Turquie, et les statues de Lepenski Vir (ex. Le dieu poisson) en Serbie. Il a également été témoin de la création de l'idole de Shigir (7 500 avant notre ère) - la plus ancienne sculpture sur bois au monde - trouvée près de Sverdlovsk en Russie. La plus grande œuvre d'art mésolithique est sans doute la sculpture en terre cuite de Roumanie, connue sous le nom de Penseur de Cernavoda, une image indubitable de la pensée cognitive.

Sculpture néolithique (environ 4 000 à 2 000 avant notre ère)

L'art néolithique est surtout connu pour ses poteries, mais il présente également des sculptures autoportantes et des statuettes en bronze - en particulier de la civilisation de la vallée de l'Indus, du Caucase du Nord et de l'art précolombien des Amériques. La forme la plus spectaculaire de l'art néolithique était l'architecture pyramidale égyptienne dont les chambres funéraires ont entraîné une demande accrue de divers types de reliefs ainsi que de statues et statuettes portables. (Voir sculpture égyptienne.) En effet, l'avènement de l'âge du bronze (En Europe : 3000-1200 avant notre ère) ainsi que l'émergence des villes et des bâtiments publics, et le développement d'outils plus sophistiqués, ont déclenché une augmentation générale de la demande de tous les types d'art, y compris la sculpture. Voir, par exemple, la sculpture mésopotamienne (3000-500). C'est à cette époque que l'art a commencé à assumer un rôle important en reflétant les aspirations des dirigeants puissants et des divinités qu'ils vénéraient. Bref, les communautés prospères et ambitieuses étaient bonnes pour la sculpture.

Sculpture de la Méditerranée orientale (vers 2000-1100 avant notre ère)

Après la floraison de l'architecture et d'autres arts en Égypte, le Levant a également été témoin de l'essor de la culture minoenne sur l'île de Crète, réputée pour ses sculptures et ses ferronneries. Après une catastrophe inconnue (probablement un tremblement de terre) vers 1500 av.

Sculpture d'Extrême-Orient (vers 1700 avant J.-C. - 1150 après J.-C.)

L'art chinois pendant la dynastie Shang (vers 1600-1050) s'est développé selon des lignes assez différentes des variétés occidentales. Pour la plus belle sculpture en bronze produite en Chine au cours de cette période, voir : Sanxingdui Bronzes (1200-1000 BCE). Des exemples célèbres de sculpture indienne et d'Asie du Sud-Est comprennent les reliefs extraordinaires du temple hindou Kandariya Mahadeva du XIe siècle (1017-29) au Madhya Pradesh, en Inde, et du temple khmer d'Angkor Wat (1115-45) au Cambodge.

Sculpture de l'Antiquité classique (c.1100-100 avant notre ère)

En raison de la stagnation culturelle des « âges sombres » grecs (1100-900 av. J.-C.) et de la prédominance de la poterie pendant la période géométrique (900-700 av. Par la suite, il s'est développé selon la chronologie traditionnelle de l'art grec pendant l'Antiquité classique, comme suit : Période archaïque (c.650-500 avant notre ère) Période classique (c.500-323 avant notre ère) et Période hellénistique (c.323-100 avant notre ère). Pour en savoir plus, consultez : Sculpture grecque simplifiée.

Sculpture grecque archaïque (vers 600-500 avant notre ère)
La période archaïque était une période d'expérimentation lente mais continue. La forme la plus prisée de la sculpture grecque archaïque était le kouros (pl.kouroi), ou nu masculin debout.

Sculpture grecque classique (vers 500-323 avant notre ère)
Divisé en période classique précoce, période classique élevée et période classique tardive, ce fut le point culminant de la créativité grecque. Dans les arts plastiques, des sculpteurs célèbres comme Polykleitos (Ve siècle av. J.-C.), Myron (actif 480-444 avant J. par des artistes ultérieurs tels que Callimaque (actif 432-408 avant notre ère), Skopas (actif 395-350 avant notre ère), Lysippe (c.395-305 avant notre ère), Praxitèle (actif 375-335 avant notre ère) et Leochares (actif 340-320 avant notre ère ) - qui restera inégalée jusqu'à la Renaissance italienne.

Sculpture grecque hellénistique (vers 323-27 avant notre ère)
Au cours de cette période (caractérisée par la propagation de la culture grecque dans le monde civilisé), le réalisme classique a été remplacé par un plus grand héroïsme et expressionnisme. Voir : École de sculpture hellénistique de Pergamene (241-133 avant notre ère). Les œuvres célèbres de la sculpture grecque hellénistique comprennent : Gaule mourante par Epigone les Victoire ailée de Samothrace Laocoon et ses fils par Hagesandrus, Polydore et Athénodore (42-20 avant notre ère), et le Vénus de Milo. Pour les plus grands reliefs hellénistiques, voir : Pergamon Altar of Zeus (166-56 BCE).

Malgré la disparition politique et militaire des cités grecques à partir d'environ 200 avant notre ère et l'essor de Rome qui en a résulté, la sculpture grecque a conservé son statut de plus belle jamais réalisée. Même les Romains n'ont pas réussi à surmonter leur sentiment d'infériorité face à l'art grec, bien qu'ils aient été assez mignons pour copier autant d'œuvres grecques que possible, et c'est en grande partie à travers ces copies que l'art de la sculpture grecque est connu. La véritable influence des statues et des reliefs hellénistiques s'est en fait produite 1600-1700 ans plus tard, lorsqu'elle a été "redécouverte" par des artistes de la première Renaissance en Italie, après quoi elle a constitué la pierre angulaire de l'art européen pour les quatre siècles suivants. Bref, les Grecs obtiennent le maximum de points.

Sculpture celtique en métal (400-100 avant notre ère)

N'oublions pas les Celtes - une série de tribus nomades qui ont émergé du Caucase vers 800 avant notre ère, et se sont progressivement étendues vers l'ouest à travers l'Europe (600-100 avant notre ère) jusqu'à la péninsule ibérique, la Grande-Bretagne et l'Irlande. Bien que très mobiles et maîtres de la forge et de l'orfèvrerie, ils étaient trop désorganisés pour rivaliser avec l'État de Rome hautement discipliné et centralisé. Finalement entièrement romanisé, au moins sur le continent, leur art de la ferronnerie celtique comprenait certaines des plus belles sculptures en métal de l'époque (par exemple, le Bateau plus brillant c.100-50 avant notre ère). Ils étaient également des commerçants exceptionnels et leurs conceptions complexes de ferronnerie ont été exportées et imitées dans le monde connu. Pour la maçonnerie des Celtes, voir : Celtic Sculpture. Pour monumentale Keltoi sculpture en pierre, voir : la pierre de Turoe.

La plus grande sculpture en argile du monde
L'armée de terre cuite (datant de 246-208 avant notre ère), une énorme collection de guerriers et de chevaux d'argile, a été sculptée dans la province du Shaanxi, en Chine, sous les ordres de l'empereur Qin Shi Huangdi. Des milliers de personnages restent enterrés sur le site. Voir aussi Sculpture Bouddhiste Chinoise (100-présent). Pour l'art en Inde, voir la sculpture indienne (3300 avant notre ère - 1850).

Sculpture romaine (environ 200 avant notre ère - environ 200 après J.-C.)

Jusqu'à environ 27 av. Il a été conçu avant tout pour exprimer la majesté et la puissance de la domination romaine, ainsi en dehors d'un certain nombre de magnifiques reliefs historiques (par exemple le bas-relief en spirale de la colonne Trajane) et de monuments rares (par exemple le Ara Pacis Augustae), les sculpteurs romains ont été largement employés dans la production de portraits en buste des empereurs et autres dignitaires. Bref, pas grave.

Sculpture byzantine (330-1450 CE)

Jusqu'au IVe siècle, les sculptures paléochrétiennes étaient presque exclusivement des reliefs funéraires pour les sarcophages de Rome. Lorsque l'Empire romain s'est divisé en Orient et en Occident, la capitale orientale était située à Constantinople. L'art de l'Empire romain d'Orient, basé à Byzance, était presque entièrement religieux, mais, à part quelques reliefs en ivoire peu profonds et de l'orfèvrerie, la marque orthodoxe orientale du christianisme n'autorisait pas les œuvres d'art en 3D comme les statues ou les hauts-reliefs. Bon pour les peintres, mauvais pour les sculpteurs.

Sculpture pendant l'âge des ténèbres (vers 500-800)

Comme son nom l'indique, ce fut une période sombre et calme pour les sculpteurs européens. L'Église était faible, les Barbares (qui n'étaient pas très férus de sculpture) étaient forts, et les villes étaient appauvries et incultes. Il y avait une certaine activité à Constantinople et sur les franges de l'Europe, par exemple en Irlande, où (de 800-1100) l'église monastique a commencé à commander un certain nombre de croix en pierre autoportantes connues sous le nom de sculptures de haute croix celtiques - décorées de scènes d'Évangile et d'autres -des motifs de style - mais peu d'art médiéval a été créé sur le continent.

Remarque sur la sculpture et l'architecture

Avant de poursuivre, il convient de souligner le lien essentiel entre l'architecture publique ou les programmes de construction et la sculpture. En termes simples, les bâtiments publics avaient généralement besoin d'une décoration sculpturale, tant à l'intérieur qu'à l'extérieur. Les colonnes de support incorporaient souvent des motifs décoratifs ou des statues et des reliefs, tout comme les façades, les portes et divers écrans intérieurs. Ainsi, chaque nouveau grand programme de travaux publics - typiquement annoncé par un nouveau style d'architecture - a déclenché un vaste programme parallèle de sculpture. Bref, les sculpteurs médiévaux aimaient les architectes.

Sculpture romane ancienne (carolingienne, ottonienne) (vers 800-1050)

Le renouveau de la sculpture médiévale a commencé avec Charlemagne Ier, roi des Francs, qui a été couronné empereur du Saint-Empire en 800. L'empire carolingien s'est dissous assez rapidement, mais le mécénat des arts de Charlemagne a été une première étape cruciale dans la revitalisation de la culture européenne, notamment car de nombreuses églises romanes et gothiques ont été construites sur les bases de l'architecture carolingienne. Les réalisations architecturales de Charlemagne ont été poursuivies par les empereurs romains Othon I, II et III, dans un style connu sous le nom d'ottonien. L'art de la sculpture est donc de retour, bien qu'à une échelle modeste. Voir aussi : Artistes médiévaux.

Sculpture romane (c.1000-1200)

Au XIe siècle, une Église chrétienne plus confiante a commencé à se réaffirmer. Cet expansionnisme doctrinal a conduit les Croisades à libérer la Terre Sainte de l'emprise de l'Islam.Le succès des Croisés et leur acquisition de Holy Relics ont déclenché la construction de nouvelles églises et cathédrales à travers l'Europe dans le style architectural roman à part entière - un style connu en Grande-Bretagne et en Irlande sous le nom d'architecture "normande". Cela a conduit à une énorme vague de commandes pour la sculpture romane et le vitrail. Ainsi enfin, l'art de la sculpture était de retour. Et avec cette nouvelle demande pour les arts plastiques, s'ensuivent la création de nouveaux ateliers de sculpture et de modelage, l'apprentissage et la reconnaissance des maîtres-artisans. En effet, dès le XIIe siècle, les principaux sculpteurs sont devenus très recherchés par les abbés, archevêques et autres mécènes séculiers, pour leur contribution unique à l'impact visuel des édifices religieux en construction.

Sculpture gothique (c.1150-1300)

Le programme de construction de l'église a stimulé le développement de nouvelles techniques architecturales. Ces techniques se sont réunies au milieu de la fin du XIIe siècle dans un style que les architectes de la Renaissance ont baptisé plus tard « architecture gothique ». Les éléments caractéristiques du style roman tels que les arcs arrondis, les murs massivement épais et les petites fenêtres ont été remplacés par des arcs brisés, des plafonds hauts, des murs minces et d'énormes vitraux. Cela a complètement transformé l'intérieur de nombreuses cathédrales en havres d'inspiration, où le message chrétien était véhiculé dans une variété d'art biblique, y compris de magnifiques vitraux, et par une grande variété de sculptures. Les façades et les portes des cathédrales étaient généralement remplies de reliefs sculpturaux représentant des scènes bibliques, ainsi que de rangées de sculptures représentant des prophètes, des apôtres, d'anciens rois de Judée et d'autres figures de l'Évangile. Les intérieurs comportaient des statues de colonnes et d'autres reliefs, le tout étant disposé selon un plan complexe d'iconographie évangélique conçu pour éduquer et inspirer les fidèles illettrés.

Essentiellement, la cathédrale gothique était destinée à représenter l'Univers en miniature - une œuvre d'art chrétienne unique conçue pour transmettre un sens de la puissance et de la gloire de Dieu et de la nature rationnelle et ordonnée de son plan mondain. Parmi les plus grandes demeures de la sculpture architecturale gothique figurent les cathédrales françaises de Notre-Dame de Paris, de Chartres, de Reims et d'Amiens, les cathédrales allemandes de Cologne, Strasbourg et Bamberg, et les églises anglaises de l'abbaye de Westminster et de York Minster - parmi beaucoup d'autres. En résumé, la sculpture gothique représente l'apogée de l'art religieux monumental. Bien que l'Église continuerait à investir massivement dans le pouvoir de la peinture et de la sculpture pour inspirer les masses (notamment à l'époque baroque de la Contre-Réforme), l'ère gothique était vraiment l'apogée de l'art religieux "quotidéaliste". Désormais, l'art de la sculpture deviendra de plus en plus mêlé à la politique laïque et papale.

Sculpture de la Renaissance italienne (c.1400-1600)

La Renaissance italienne a été inspirée par la « redécouverte » et le respect des arts de l'Antiquité classique, en particulier dans le domaine de l'architecture et de la sculpture. L'art de la Renaissance a également été coloré par une forte croyance en l'humanisme et la noblesse de l'homme. Il a commencé à Florence, inspiré par des individus tels que l'architecte Filippo Brunelleschi (1377-1446), le sculpteur Donatello (1386-1466), le peintre Tommaso Masaccio et le théoricien Leon Battista Alberti (1404-72), et financé par le Famille Médicis. Il s'est ensuite propagé à Rome - où il a reçu le soutien des ambitions papales du pape Sixte IV (1471-84), du pape Jules II (1503-13), du pape Léon X (1513-21) et du pape Paul III (1534-45) - et Venise. Les arts en Europe du Nord (notamment en Flandre, en Hollande, en Allemagne et en Angleterre) ont également connu une renaissance, en particulier dans la peinture à l'huile, la gravure et dans une moindre mesure la sculpture sur bois, bien que cette soi-disant Renaissance du Nord se soit développée de manière quelque peu indépendante en raison de la Réforme ( c.1520) et le manque conséquent de mécénat religieux de la part d'une Église protestante qui voyait d'un mauvais œil la peinture et la sculpture religieuses.

Sculpture du début de la Renaissance (1400-90)

Compte tenu du respect accordé à la Renaissance italienne, il est facile d'oublier que de nombreux artistes italiens ont été fortement influencés par les traditions et l'artisanat gothiques. Les sculpteurs de la Renaissance, en particulier, étaient redevables à leurs prédécesseurs gothiques. Il suffit d'étudier les reliefs sur les façades et les portes des cathédrales du XIIe siècle pour voir l'extraordinaire réalisme et émotivité tridimensionnelle qui était atteint des siècles avant la Renaissance. La grande différence entre les sculpteurs gothiques et ceux de la Renaissance est que les noms de ces derniers sont désormais mondialement connus, tandis que beaucoup des premiers sont inconnus.

Gardant cela à l'esprit, les sculpteurs du début de la Renaissance ont cherché à améliorer davantage les œuvres gothiques, s'inspirant en grande partie de la sculpture classique romaine et grecque. Ce faisant, ils ont injecté dans leurs statues une gamme d'émotions et les ont imprégnées d'une nouvelle énergie et d'une nouvelle pensée. Les trois plus grands artistes 3-D du début de la Renaissance étaient Lorenzo Ghiberti (1378-1455), Donato di Niccolo di Betto Bardi, dit Donatello, et Andrea del Verrocchio (1435-88).

En 1401, un concours a été organisé pour la commission de créer une paire de portes en bronze pour le baptistère de Florence de Saint-Jean - l'une des plus anciennes églises de la ville. Lorenzo Ghiberti a dûment remporté la commande des portes, qui lui a pris 27 ans pour terminer. Une deuxième commission similaire a suivi, occupant Ghiberti pendant 25 ans supplémentaires. Cependant, ses portes sont devenues un symbole tangible de l'art florentin, ce qui a amené Michel-Ange à les appeler "les portes du paradis".

Donatello, le premier véritable génie de la sculpture de la Renaissance italienne, a réinventé le médium de la sculpture de la même manière que Masaccio, Piero della Francesca et Mantegna ont révolutionné l'art de la peinture. Capable d'investir ses personnages d'un réalisme et d'une émotion intenses, son chef-d'œuvre est sa sculpture en bronze David (c.1435-53), la première sculpture de nu grandeur nature depuis l'Antiquité, qui a été créée pour la famille Médicis et située dans le Palais Médicis à Florence. La forme élancée du berger biblique semble à peine capable de l'habileté meurtrière requise pour tuer Goliath, mais sa pose féminine pensive avec son contrapposto classique (torsion des hanches) exerce un effet hypnotique sur le spectateur. Ce doit sûrement être l'une des plus grandes statues jamais créées. Pour plus de détails, voir : David par Donatello.

Andrea del Verrocchio

Les David (c.1475) par Andrea del Verrocchio est plus raffiné mais moins intense que la statue de Donatello, tandis que sa statue équestre du condottiere Bartolommeo Colleoni (1480s) est moins héroïque mais transmet un plus grand sens du mouvement et de l'arrogance que Donatello Gattamelata (1444-53) à Padoue.

D'autres sculpteurs importants du début de la Renaissance incluent : Jacopo della Quercia (c.1374-1438) Nanni di Banco (c.1386-1421) les sculpteurs de terre cuite Luca Della Robbia (1400-1482), son neveu Andrea Della Robbia (1435-1525 ), Niccolo Dell'Arca (1435-94) et Guido Mazzoni (1450-1518) Antonio Rossellino (1427-79) Antonio Pollaiuolo (1432-98).

Sculpture Haute Renaissance (vers 1490-1530)

Les sculpteurs de la Renaissance étaient dominés par Michel-Ange (1475-1564), le plus grand sculpteur de la Renaissance italienne, et sans doute de tous les temps. L'historien de l'art Anthony Blunt a dit des œuvres de Michel-Ange comme Pietà (1497-9, marbre, Basilique Saint-Pierre, Rome), David (1501-4, marbre, Galleria dell'Accademia, Florence) et Esclave mourant (1513-16, marbre, Louvre, Paris) qu'ils possédaient une "qualité surhumaine" mais aussi "a un sentiment de maussade, de sombre inquiétude. ils reflètent la tragédie du destin humain. » Certaines des sculptures en marbre de Michel-Ange ont une beauté et un poli sans faille, témoignant de sa maîtrise technique absolue. Dans le domaine du nu masculin héroïque, il reste le représentant suprême. Pour en savoir plus, voir David de Michel-Ange.

D'autres sculpteurs importants de la Haute Renaissance comprennent l'artiste et architecte vénitien Jacopo Sansovino (1486-1570) et Baccio Bandinelli (1493-1560).

Sculpture de la Renaissance du Nord (vers 1400-1530)

En Europe du Nord, l'art de la sculpture a été illustré en particulier par deux artisans impressionnants qui ont porté l'art de la sculpture sur bois à de nouveaux sommets : le sculpteur allemand sur bois de tilleul Tilman Riemenschneider (1460-1531), connu pour ses reliefs et sa sculpture sur bois autoportante et le sculpteur sur bois Veit Stoss (1450-1533) réputé pour ses retables délicats.

D'autres sculpteurs importants du nord des Alpes comprennent:
Hans Multscher (vers 1400-1467) Giorgio da Sebenico (1410-1473)
Michel Colombe (vers 1430-1512) Gregor Erhart (vers 1460-1540).

Sculpture maniériste (1530-1600)

Si la confiance et l'ordre de la Haute Renaissance se reflétaient dans ses formes idéalisées de sculpture figurative, la sculpture maniériste reflétait le chaos et l'incertitude d'une Europe déchirée par la division religieuse et d'une Rome récemment saccagée et occupée par des soldats français mercenaires. Les sculpteurs maniéristes ont introduit une nouvelle expressivité dans leurs œuvres, comme en témoigne le puissant L'Enlèvement des Sabines par Giambologna (1529-1608), et Persée (1545-54) par Benvenuto Cellini (1500-71). Cependant, comparez la célèbre statue de marbre couchée naturaliste de Sainte Cécile par Stefano Maderno (1576-1636). Voir aussi Juan de Juni (1507-1577), qui a répandu la Renaissance en Espagne, Alonso Berruguete (c.1486-1561) qui a introduit le maniérisme en Espagne et Francesco Primaticcio (1504-1570) qui a lancé le maniérisme en France. Pour les meilleurs sculpteurs maniéristes français, voir : Jean Goujon (c.1510-68), Germain Pilon (1529-1590), Barthelemy Prieur (1536-1611) et Adriaen de Vries (1560-1626).

Sculpture baroque (vers 1600-1700)

Au cours de la fin du XVIe siècle, en réponse à la Réforme protestante, l'Église catholique romaine a lancé sa propre Contre-Réforme. Cette campagne de propagande, conçue pour persuader les fidèles de retourner à la "vraie" Église, a utilisé toute la panoplie des arts visuels, y compris l'architecture, la sculpture et la peinture, et est devenue associée à un idiome plus grandiose et plus dramatique connu sous le nom d'art baroque. Il s'agissait d'un mécénat massif pour les artistes - une bonne nouvelle pour les sculpteurs !

Même la place Saint-Pierre à Rome a été remodelée pour impressionner les visiteurs. L'architecte/sculpteur de génie Bernini (1598-1680) a conçu une série de colonnades menant à la cathédrale, qui ont donné l'impression aux visiteurs qu'ils étaient embrassés par les armes de l'Église catholique.

Le Bernin était le plus grand de tous les sculpteurs baroques. Après avoir travaillé pour le cardinal Scipione Borghese, il est devenu le principal sculpteur du pape Urbain VIII. Attiré par le naturalisme dramatique de ce qu'on appelle le style baroque hellénistique du deuxième et du premier siècle avant notre ère, (par exemple, voir des œuvres comme Le Gaulois vaincu se tuant lui-même et sa femme) La contribution unique de Bernini était de créer des chefs-d'œuvre illusionnistes sensationnels (par exemple en décrivant un moment dans le temps), d'une manière jusqu'à présent réalisée uniquement par les peintres. C'était comme s'il traitait les matériaux relativement difficiles de la sculpture comme s'ils étaient entièrement malléables. Sa technique sculpturale et sa composition étaient si étonnantes qu'il attira de nombreuses critiques de ses rivaux envieux.

Son principal rival était Alessandro Algardi (1598-1654), le sculpteur préféré du pape Innocent X. Si Bernini incarnait le naturalisme dramatique grec, le style d'Algardi était plus sobre (les critiques disent faible). Un autre rival était le sculpteur flamand François Duquesnoy (1594-1643) dont le style était tout à fait classique. Duquesnoy était plutôt une figure d'ombre qui travaillait dans un style sévère et sans émotion qui était pourtant très apprécié des écrivains universitaires pour sa synthèse parfaite de la nature et de l'antique. Les draperies coulent avec élégance, suivant la forme du corps, tandis que la silhouette est équilibrée dans une grâce et un repos parfaits - l'opposé complet du mouvement dynamique et du sentiment intense de Bernini.

La sculpture baroque française a été illustrée par François Girardon (1628-1715), une sorte d'Algardi français, et son rival Antoine Coysevox (1640-1720) dont le style plus lâche était encore relativement sobre par rapport au Bernin, et Pierre Puget (1620-94) qui était l'un des rares sculpteurs à retrouver l'immédiateté de la meilleure œuvre du Bernin.

Parmi les autres sculpteurs baroques, citons Juan Martines Montanes (1568-1649), Alonzo Cano (Grenade, 1601-1667) et Andreas Schluter (1664-1714), le plus grand sculpteur baroque du nord de l'Allemagne. Dans le sud de l'Allemagne, l'un des plus grands maîtres était Jorg Zurn (1583-1638), qui a réalisé l'impressionnant maître-autel de cinq étages de la Vierge Marie (1613-16), dans l'église Saint-Nicolas d'Uberlingen, sur la rive nord. du lac de Constance (Bodensee).

Sculpture Rococo (vers 1700-1789)

Fondamentalement une réaction française contre le sérieux du baroque, l'art rococo a commencé à la cour de France au château de Versailles avant de se répandre à travers l'Europe. Si la sculpture baroque était dramatique et sérieuse, le rococo n'était que fioritures et sans substance, bien qu'en réalité ce n'était pas tellement un style différent du baroque mais plutôt une variation du style porté par le Bernin et ses contemporains. Même ainsi, on peut parler de qualités rococo dans une œuvre de sculpture - l'informalité, la gaieté, le souci des choses du cœur et un évitement conscient du sérieux.

Le sculpteur le plus titré de la première moitié du XVIIIe siècle est Guillaume Coustou (1677-1746), directeur de l'Académie française à partir de 1707, qui poursuit la tendance baroque de son oncle Coysevox. Son élève, Edme Bouchardon (1698-1762), est une figure plus intéressante. dont le sens de l'antique l'amène à anticiper la tendance ultérieure au néoclassicisme.
Jean-Baptiste Pigalle (1714-85), un favori de Madame de Pompadour, était un autre exemple important du style rococo, tout comme son principal rival était Etienne-Maurice Falconet (1716-91) qui s'est spécialisé dans les figures érotiques qui ont une dérivation ténue. à partir d'originaux hellénistiques. Son chef-d'œuvre, cependant, reste son monument classique "Cavalier de bronze" à Pierre le Grand à Saint-Pétersbourg - voir Sculpture russe.

En Angleterre, les principaux sculpteurs des XVIIe et XVIIIe siècles comprenaient le classique Michael Rysbrack (1694-1770), le plus théâtral Louis François Roubiliac (1705-62) et l'éminent sculpteur sur bois Grinling Gibbons (1648-1721). La sculpture rococo allemande a été illustrée dans les œuvres du sculpteur de Dresde Balthazar Permoser (1651-1732), de petits groupes d'artisans travaillant dans les églises catholiques du sud de l'Allemagne, et Ignaz Gunther (1725-75) dont les sculptures figuratives ont un réalisme de surface dure et polychrome surface rappelant la sculpture sur bois allemande médiévale.

Le rococo décadent fantasque a été balayé par la Révolution française qui a inauguré le nouveau style plus sévère du néoclassicisme.

Sculpture néoclassique (épanouie c.1790-1830)

L'art néoclassique - essentiellement l'art grec avec une touche moderne - était dominé par l'architecture néoclassique. Les bâtiments néoclassiques comprennent le Panthéon (Paris), l'Arc de Triomphe (Paris), la porte de Brandebourg (Berlin) et le Capitole des États-Unis. La sculpture néoclassique mettait l'accent sur les vertus de l'héroïsme, du devoir et de la gravité. Parmi les principaux sculpteurs néoclassiques figuraient l'extrêmement sévère et héroïque Antonio Canova (1757-1822), le portraitiste troublé Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783), le plus naturaliste/réaliste Jean-Antoine Houdon (1741-1828), le plutôt léger Claude Michel dit Clodion (1738-1814) et les sculpteurs anglais Joseph Nollekens (1737-1823), Thomas Banks (1735-1805), John Flaxman (1755-1826) et Sir Richard Westmacott (1775-1856). Ce n'est que plus tard au XVIIIe siècle qu'apparaît un digne successeur de Canova en la personne du sculpteur danois Bertel Thorwaldsen (1770-1844), qui aborde l'antique avec une noblesse comparable mais avec moins d'originalité.

Sculpture du 19ème siècle

À bien des égards, le XIXe siècle a été une époque de crise pour la sculpture. En termes simples, le développement architectural s'était largement épuisé, le mécénat religieux avait diminué à la suite de la Révolution française et le climat général de "populisme" commençait à semer la confusion dans l'esprit des mécènes institutionnels et privés quant à ce qui constituait des sujets acceptables ( et styles) pour la représentation sculpturale. Étant impliqués dans une forme d'art plus chère que les peintres, et donc dépendants de commandes coûteuses, les sculpteurs se sont souvent retrouvés à la merci de l'opinion publique sous la forme de conseils municipaux et de comités. Hormis un certain nombre de monuments publics grandioses et les habituelles statues commémoratives des évêques et des rois - invariablement exécutées dans le style stérile et conformiste exigé par les autorités (par exemple le mémorial Albert) - les sculpteurs ont eu peu d'occasions de montrer leur originalité. La peinture, quant à elle, était en train de subir des changements énormes et passionnants. Bref, ce n'était pas le moment idéal pour s'impliquer dans l'art 3D.

Parmi les sculpteurs du XIXe siècle, citons le polyvalent James Pradier (1790-1852), les romantiques François Rude (1784-1855), David d'Angers (1788-1856), Antoine-Louis Barye (1796-1875) et Auguste Preault (1809-79), et la sculptrice florentine néo-Renaissance Félicie de St Fauveau (1799-1886). L'un des artistes les plus talentueux était le gai Jean-Baptiste Carpeaux (1827-75), dont la sensualité était adaptée aux exigences des sculpteurs décorateurs des années 1860 par Ernest Carrier-Belleuse (1824-87), autrement plus connu pour la fait qu'un de ses élèves était un sculpteur inconnu nommé Auguste Rodin. Jules Dalou (1838-1902) était un disciple plus contemplatif et sérieux de Carpeaux. Parmi les classiques du XIXe siècle, les figures de proue comprenaient John Gibson (1791-1866), le talentueux mais frustré Alfred Stevens (1817-75), le polyvalent George Frederick Watts (1817-1904) et l'américain Hiram Powers (1805-73). .

N'oublions pas non plus l'imaginatif sculpteur français Auguste Bartholdi (1834-1904) - mieux connu comme le créateur de la sculpture de renommée mondiale - La statue de la Liberté - dans le port de New York. Aussi le grand sculpteur monumental américain Daniel Chester French (1850-1931), connu pour la figure assise de Lincoln au Lincoln Memorial à Washington DC.

La grande exception fut l'incomparable génie français Auguste Rodin (1840-1917). L'un des rares maîtres authentiques de la sculpture moderne, Rodin se considérait comme le successeur de son héros emblématique Michel-Ange - bien que le Florentin fût un sculpteur sur marbre tandis que Rodin était principalement un modeleur sur bronze. De plus, alors que Michel-Ange incarne les formes nobles et intemporelles de l'Antiquité classique, les œuvres les plus caractéristiques de Rodin véhiculent une modernité indubitable et un naturalisme dramatique. On peut soutenir que les vrais prédécesseurs de Rodin étaient les sculpteurs gothiques, car il était un admirateur passionné des cathédrales gothiques de France, dont il tirait une grande partie de son inspiration des reliefs héroïques. Quoi qu'il en soit, l'impact de Rodin sur sa forme d'art était plus grand que n'importe quel sculpteur depuis la Renaissance.

Sculpture du XXe siècle : l'avènement du modernisme

La sculpture étant moins à même de refléter les nouvelles tendances de l'art moderne au XIXe siècle, laissant des artistes comme Auguste Rodin (1840-1917) libres de poursuivre un monumentalisme essentiellement dérivé de l'idéologie de la Renaissance, et d'autres de célébrer les valeurs victoriennes sous la forme de patriotisme et personnages historiques, également exécutés à la manière grandiose des temps anciens, il a fallu attendre l'émergence de sculpteurs modernes du 20e siècle comme Constantin Brancusi (1876-1957), Umberto Boccioni (1882-1916) et Naum Gabo (Naum Neemia Pevsner) ( 1890-1977), que la sculpture a vraiment commencé à changer, au tournant du siècle. Pour l'influence des cultures tribales sur le développement de la sculpture du 20e siècle, voir : Primitivism/primitive Art. Voir à ce sujet les travaux d'Henri Gaudier-Brzeska (1891-1915) et de son mentor Jacob Epstein (1880-1959). En particulier, notez l'impact de la sculpture africaine sur les sculpteurs modernes de la Ecole de Paris.

En fait, les premières décennies du 20e siècle ont vu les beaux-arts en ébullition. Le mouvement révolutionnaire du cubisme, inventé par Pablo Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963), a brisé de nombreux canons sacrés de l'art traditionnel et déclenché une vague d'expérimentation à la fois en peinture et en sculpture. Ce dernier a été considérablement redéfini par une série de sculpteurs comme Marcel Duchamp (1887-1968) - voir ses "readymades" - Jacques Lipchitz (1891-1973), et Alexander Archipenko (1887-1964), ainsi que Brancusi, Boccioni et Gabo. Le représentationnalisme a été rejeté en faveur de nouvelles expressions abstraites de l'espace et du mouvement, utilisant souvent des matériaux non traditionnels jamais utilisés dans la sculpture.

Dans le sillage du cubisme, la Grande Guerre (1914-18) et la révolution bolchevique de 1917 ont eu un impact énorme sur les artistes à travers l'Europe, comme en témoignent les mouvements iconoclastes influents de Dada et du constructivisme. Les sculpteurs ont rejoint les peintres dans la production d'œuvres d'art reflétant de nouvelles icônes comme la machine, ainsi que de nouvelles idéologies de design (par exemple, les théories de l'école de design Bauhaus) et la forme (par exemple, l'incroyable Merzbau de Kurt Schwitters).

Les années 1920 à Paris ont vu l'émergence du surréalisme, un mouvement extrêmement influent qui cherchait un nouveau "super-réalisme" dans un style qui embrassait à la fois l'abstraction et le naturalisme. Les artistes surréalistes célèbres travaillant en 3-D incluent : Salvador Dali (1904-89) qui a produit son surréaliste Canapé Mae West Lips et Téléphone Homard Meret Oppenheim (1913-85) qui a créé Petit-déjeuner à fourrure et FE McWilliam (1909-1992) qui a produit Yeux, nez et joue. D'autres sculpteurs modernes comme Jean Arp (1886-1966) ainsi que Henry Moore (1898-1986) et Barbara Hepworth (1903-75) - leaders de la sculpture britannique moderne - expérimentaient de nouvelles formes d'abstraction biomorphique/organique, tandis que l'Américain Alexander Calder (1898-1976) était le pionnier de la sculpture mobile et de l'art cinétique, et David Smith (1906-65) développait la sculpture abstraite en métal. De nombreux sculpteurs ont développé leur style au fil du siècle : Alberto Giacometti (1901-66), par exemple, a commencé sur le mode surréaliste dans les années 1920 et 1930 avant de perfectionner ses œuvres figuratives semi-abstraites uniques. Voir aussi l'artiste moderniste américano-britannique Jacob Epstein (1880–1501959), dont les œuvres figuratives audacieuses se sont révélées très controversées.

Sculpture d'après-guerre (1945-70)

Aucune sculpture n'a émergé à New York ou à Paris pour se comparer au style de peinture prédominant de l'expressionnisme abstrait (c.1945-62), bien qu'il y ait eu certainement une innovation, principalement dans l'utilisation de nouveaux matériaux et une humeur croissante de conceptualisme - un style qui se concentre sur l'idée derrière l'objet 3D, plutôt que l'objet lui-même - ainsi qu'un flou entre la peinture et la sculpture. Des innovations majeures - principalement par des sculpteurs américains, mais voir Ville détruite (1953) par le sculpteur russe Ossip Zadkine (1890-1967) - comprenait les "murs sculptés" de Louise Nevelson (1899-1988) - assemblages composés d'objets trouvés, principalement en bois, peints en blanc, noir ou or et disposés en boîte- comme des étagères occupant un mur les sculptures en feutre de Robert Morris (b.1931) les œuvres au néon et fluorescentes de Bruce Nauman (b.1941) les œuvres de Cesar (1921-98) faites à partir de pièces de voiture les sculptures de ferraille (par ex. des tas de téléphones cassés) d'Arman (Armand Fernandez) (né en 1928) l'art cinétique de Jean Tinguely (1925-1991) et la sculpture abstraite de l'artiste britannique Sir Anthony Caro (1924-2013).

Chronologiquement, le premier grand mouvement d'après-guerre impliquant des sculpteurs était le Pop-Art des années 1960, qui trouve son origine dans les travaux pionniers de Robert Rauschenberg (1925-2008) et Jasper Johns (né en 1930) au cours des années 1950. Les célèbres sculptures Pop comprennent : Dieu de guerre japonais (1958) par le pionnier Eduardo Paolozzi (né en 1924), Canettes de bière (1964) de Jasper Johns, la toile, le caoutchouc mousse et le carton Burger au sol (1962) et Géant Fag-Ends (1967) de Claes Oldenburg (né en 1929) et le spirituel Canapé Joe (1968) par les Italiens Jonathan De Pas (1932-91), Donato D'Urbino (né en 1935) et Paolo Lomazzi (né en 1936) - tous montrant des traces de l'art surréaliste antérieur. La sculpture pop n'est pas sérieuse mais c'est très amusant.

À l'opposé du Pop art, le minimalisme des années 1960 explorait la pureté des formes ultra-simplifiées jusqu'à l'absurdité. Les sculpteurs minimalistes célèbres incluent Sol LeWitt (né en 1928) - l'artiste conceptuel américain connu pour ses constructions squelettiques et géométriques en forme de boîte, les formes simplifiées sans compromis de Donald Judd (1928-94), l'artiste expérimental Walter de Maria (né en 1935) et Carl Andre, né au Massachusetts (né en 1935). La sculpture minimaliste peut être pleinement appréciée par toute personne titulaire d'un doctorat en interprétation des beaux-arts.

Land Art: Sculpture Environnementale

Les années 1960 ont également vu un tout nouveau type de sculpture connu sous le nom de Land Art (Terrassement ou art environnemental). Comme des enfants construisant des châteaux de sable sur la plage, les artistes se sont précipités dans la nature et ont creusé, creusé et remodelé le paysage naturel pour créer (ce qu'ils espéraient être) de l'art. Le sculpteur environnemental pionnier était le pessimiste Robert Smithson (1938-73). Dernièrement, le couple d'artistes Christo et Jeanne-Claude Javacheff est devenu célèbre en enveloppant des parties de l'environnement dans des tissus colorés, tandis qu'Andy Goldsworthy (né en 1956) se spécialise dans les sculptures environnementales temporaires (par exemple faites de neige) qui se décomposent ou disparaissent.

Sculpture contemporaine postmoderne

En 1970, une quantité croissante d'art contemporain devenait extrêmement expérimentale - les critiques d'art pourraient dire farfelus, incompréhensibles et kitsch. A partir des années 1970, cette tendance a été baptisée "Art postmoderniste". Personne ne sait vraiment ce que signifie ce mot, et, s'ils le font, ils ne peuvent pas l'expliquer. En ce qui concerne la sculpture postmoderne, le mieux que l'on puisse dire est qu'elle pousse la sculpture à la limite de l'expression tridimensionnelle et qu'elle se croise fréquemment dans d'autres formes d'art comme l'installation, l'art d'assemblage pur et même le théâtre. L'un des sculpteurs postmodernes les plus célèbres est Anish Kapoor (né en 1954) britannique d'origine indienne, lauréat du prix Turner.

Le postmodernisme est illustré par les œuvres de Damien Hirst (né en 1965), le leader ingénieux et axé sur le marché du mouvement des jeunes artistes britanniques des années 1980, qui a acquis une renommée mondiale pour L'impossibilité physique de la mort dans l'esprit de quelqu'un de vivant (1991), un requin tigre mort mariné dans un bac de formaldéhyde - Est-ce une sculpture ou une installation ? Personne ne sait vraiment. Parmi les autres œuvres controversées de Hirst, citons : Vierge Mère (2005) un énorme travail représentant une femme enceinte, coupée pour afficher le fœtus, le tissu musculaire et le crâne et son crâne incrusté de diamants Pour l'amour de Dieu (2007). Les critiques prétendent que Hirst n'est qu'un showman très innovant, mais les collectionneurs - ainsi que le public - semblent l'aimer. Laissons l'histoire avoir le dernier mot sur cet artiste multimillionnaire.

Toutes les sculptures contemporaines ne sont pas controversées comme le requin mort de Hirst. La fin du XXe siècle a vu nombre de sculpteurs exceptionnels travailler selon des modes plus ou moins traditionnels, mais avec une conception moderniste. Parmi les exemples célèbres de sculpture contemporaine, citons : les sculptures métalliques à grande échelle de Mark Di Suvero (né en 1933), les formes publiques monumentales de Richard Serra (né en 1939), les figures hyperréalistes de Duane Hanson (1925-96) et John De Andrea (b.1941), les structures environnementales d'Antony Gormley (b.1950), les fabuleuses figures réalistes de Rowan Gillespie (b.1953), les œuvres néo-pop innovantes de Jeff Koons (b.1955) et le sculptures d'araignées surréalistes Maman de Louise Bourgeois (1911-2010).

Les sculptures acclamées du début du 21e siècle comprennent des œuvres d'Eduardo Chillida (1924-2002) (par exemple, la pièce de fer Berlin, 2000, Bundeskanzleramt, Berlin-Tiergarten) de Sudobh Gupta (né en 1964) et Damian Ortega (né en 1967), entre autres trop nombreux pour être mentionnés.

Sculpture architecturale

Bien qu'en dehors du cadre de cet article, il convient de mentionner les grandes œuvres emblématiques de la sculpture architecturale, notamment : Le Colosse de Rhodes, La statue de la Liberté, La tour Eiffel, la colonne de Nelson, Le Picasso de Chicago, et Le pic de Dublin, entre autres.

POUR RECHERCHER UN MOUVEMENT PARTICULIER,
PARCOUREZ NOS MOUVEMENTS A-Z d'ART

• Pour en savoir plus sur les origines et l'histoire de la sculpture, voir : Visual Arts Encyclopedia.


Contenu

Au cours de la plus récente glaciation du Quaternaire, des calottes glaciaires de plus de 3 000 m (9 800 pi) d'épaisseur ont parcouru le paysage irlandais, pulvérisant des roches et des os et éradiquant toute trace possible d'établissements humains au cours de la période chaude de Glenavien [5] les restes humains pré- datant de la dernière glaciation ont été découverts dans l'extrême sud de la Grande-Bretagne, qui ont largement échappé à l'avancée des calottes glaciaires.

Au cours du dernier maximum glaciaire (il y a environ 26 000 à 19 000 ans), [6] l'Irlande était une friche arctique, ou toundra. Les effets de cette période sur l'Irlande sont appelés Midland General Glaciation, [7] ou Midlandian glaciation. [8] On croyait auparavant que pendant cette période, la glace couvrait les deux tiers de l'Irlande. [9] [7] Les preuves ultérieures des 50 dernières années ont montré que cela était faux et des publications récentes suggèrent que la calotte glaciaire s'est étendue au-delà de la côte sud de l'Irlande. [dix]

Au cours de la période comprise entre 17 500 et 12 000 ans, une période plus chaude appelée Bølling-Allerød a permis la réhabitation des régions du nord de l'Europe par des chasseurs-cueilleurs itinérants. Des preuves génétiques suggèrent que cette réoccupation a commencé dans le sud-ouest de l'Europe et les restes fauniques suggèrent l'existence d'un refuge en Ibérie qui s'étendait jusqu'au sud de la France. Ceux initialement attirés vers le nord pendant la période pré-boréale seraient des espèces comme les rennes et les aurochs. Certains sites aussi loin au nord que la Suède habités il y a plus de 10 000 ans suggèrent que les humains auraient pu utiliser les terminus glaciaires comme lieux d'où ils chassaient le gibier migrateur.

Ces facteurs et changements écologiques ont amené les humains au bord des zones libres de glace les plus septentrionales de l'Europe continentale au début de l'Holocène et cela comprenait des régions proches de l'Irlande. Cependant, au début de l'Holocène, l'Irlande elle-même avait un climat inhospitalier pour la plupart des animaux et des plantes européens. L'occupation humaine était peu probable, bien que la pêche soit possible.

La Grande-Bretagne et l'Irlande ont peut-être été reliées par un pont terrestre, mais parce que ce lien hypothétique aurait été coupé par l'élévation du niveau de la mer si tôt dans la période chaude, probablement vers 16 000 av. [11] [12] Les serpents et la plupart des autres reptiles n'ont pas pu repeupler l'Irlande parce que tout pont terrestre a disparu avant que les températures ne deviennent assez chaudes pour eux. [13] L'abaissement du niveau de la mer a également rejoint la Grande-Bretagne à l'Europe continentale, cela a persisté beaucoup plus longtemps, probablement jusqu'à environ 5600 av. [14]

Les premiers humains modernes connus en Irlande remontent à la fin du paléolithique. Cette date a été repoussée d'environ 2500 ans par une datation au radiocarbone réalisée en 2016 sur un os d'ours excavé en 1903 dans la "Alice and Gwendoline Cave", comté de Clare. L'os a des marques de coupe montrant qu'il a été massacré à l'état frais et a donné une date d'environ 10 500 avant JC, montrant que les humains étaient en Irlande à cette époque. [15] En revanche, un silex travaillé par un humain trouvé en 1968 à Mell, Drogheda, qui est beaucoup plus ancien, probablement bien antérieur à 70 000 av. est maintenant le fond de la mer d'Irlande. [16]

Un site britannique sur la côte orientale de la mer d'Irlande, daté de 11 000 av. Ces humains modernes ont peut-être également colonisé l'Irlande après avoir traversé un pont terrestre au sud, désormais libre de glace, qui reliait le sud-est de l'Irlande et les Cornouailles, s'il existait, ou plus probablement, par bateau. Au sud, la mer d'Irlande faisant face au sud du Pays de Galles était au moins beaucoup plus étroite qu'aujourd'hui jusqu'à 12 000 av. , n'est encore aujourd'hui que de douze milles à son point le plus court et aurait alors été moins. [11] Ces personnes ont peut-être trouvé peu de ressources en dehors de la pêche côtière et des glands, et peuvent donc ne pas avoir continuellement occupé la région. Le premier littoral de l'Irlande est maintenant presque entièrement sous la mer, de sorte que les preuves des populations côtières sont perdues, [11] bien que des moyens d'enquêter sur les sites sous-marins soient explorés.

Le retour des conditions glaciales dans le Dryas récent, qui a duré de 10 900 avant JC à 9 700 avant JC, a peut-être dépeuplé l'Irlande. Pendant le Dryas récent, le niveau de la mer a continué à monter et aucun pont terrestre libre de glace entre la Grande-Bretagne et l'Irlande n'est jamais revenu. [17]

La dernière période glaciaire s'est complètement terminée en Irlande vers 8000 av. [18] Jusqu'à la datation paléolithique unique de 2016 décrite ci-dessus, la première preuve d'occupation humaine après le retrait de la glace était datée du mésolithique, vers 7000 av. [19] Bien que le niveau de la mer soit encore plus bas qu'aujourd'hui, l'Irlande était très probablement déjà une île au moment où les premiers colons sont arrivés par bateau, très probablement de Grande-Bretagne. [11] Les premiers habitants de l'île étaient des marins qui dépendaient pour une grande partie de leur gagne-pain de la mer, et plus tard, les colonies ou les camps à l'intérieur des terres étaient généralement proches de l'eau. [20] Bien que les archéologues croient que les peuples mésolithiques se sont fortement appuyés sur les environnements riverains et côtiers, l'ADN ancien indique qu'ils avaient probablement cessé le contact avec les sociétés mésolithiques sur l'île de Grande-Bretagne et plus loin. [21]

Des preuves de chasseurs-cueilleurs mésolithiques ont été trouvées dans toute l'île : un certain nombre de fouilles clés du début du Mésolithique sont le site de peuplement du mont Sandel dans le comté de Londonderry (Coleraine), les crémations à Hermitage, le comté de Limerick sur la rive de la rivière Shannon et le camping à Lough Boora dans le comté d'Offaly. En plus de ceux-ci, des dispersions lithiques du début du Mésolithique ont été notées autour de l'île, du nord dans le comté de Donegal au sud dans le comté de Cork. [22] La population a été provisoirement estimée à environ 8.000.

Les chasseurs-cueilleurs de l'ère mésolithique vivaient d'une alimentation variée de fruits de mer, d'oiseaux, de sanglier et de noisettes. [24] [25] Il n'y a aucune preuve pour les cerfs dans le Mésolithique irlandais et il est probable que les premiers cerfs élaphes aient été introduits dans les premiers stades du Néolithique. [26] La population humaine chassait avec des lances, des flèches et des harpons munis de petites lames de pierre appelées microlithes, tout en complétant leur alimentation avec des noix, des fruits et des baies cueillis. Ils vivaient dans des abris saisonniers, qu'ils construisaient en étirant des peaux d'animaux ou du chaume sur des cadres en bois. Ils avaient des foyers extérieurs pour cuisiner leur nourriture. Au Mésolithique, la population de l'Irlande n'a probablement jamais dépassé quelques milliers. Les artefacts survivants comprennent de petites lames et pointes en microlithe, et plus tard des outils et des armes en pierre plus grands, en particulier le flocon polyvalent Bann. [27]

De nombreuses régions d'Europe sont entrées dans le néolithique avec un « paquet » de cultivars de céréales, d'animaux pastoraux (bœufs/bovins domestiques, moutons, chèvres), de poterie, de tissage, d'habitat et de cultures funéraires, qui arrivent simultanément, un processus qui commence en Europe centrale comme LBK (culture de poterie linéaire) vers 6000 av. En quelques centaines d'années, cette culture est observée dans le nord de la France. Une autre culture néolithique, la culture de La Hoguette, arrivée dans la région nord-ouest de la France semble être un dérivé de la culture ibéro-italo-adriatique de la céramique cardiaque imprimée (poterie de Cardium). La culture de La Hoguette, comme la culture occidentale de Cardial, élevait plus intensément les moutons et les chèvres. En 5100 av. J.-C., il existe des preuves de pratiques laitières dans le sud de l'Angleterre, et le bétail anglais moderne semble provenir de "Taurids T1" qui ont été domestiqués dans la région égéenne peu après le début de l'Holocène. Ces animaux provenaient probablement des bovins LBK. Vers 4300 avant JC, des bovins sont arrivés en Irlande du Nord à la fin de la période mésolithique. Le cerf élaphe a été introduit de Grande-Bretagne à cette époque. [26]

Vers 4500 avant JC, un ensemble néolithique comprenant des cultivars de céréales, une culture du logement (semblable à ceux de la même période en Écosse) et des monuments en pierre est arrivé en Irlande. Des moutons, des chèvres, des bovins et des céréales ont été importés du sud-ouest de l'Europe continentale, après quoi la population a considérablement augmenté. La première preuve claire d'agriculteurs en Irlande ou en Grande-Bretagne provient de Ferriter's Cove sur la péninsule de Dingle, où un couteau en silex, des os de bétail et une dent de mouton ont été trouvés et datés de c. 4350 av. [28] Aux champs de Céide dans le comté de Mayo, un vaste système de champs néolithiques (sans doute le plus ancien connu au monde) a été préservé sous une couverture de tourbe. Constitués de petits champs séparés les uns des autres par des murs de pierres sèches, les Champs de Céide ont été exploités pendant plusieurs siècles entre 3500 et 3000 av. Le blé et l'orge étaient les principales cultures cultivées. La poterie fait son apparition à peu près en même temps que l'agriculture. Des objets similaires à ceux trouvés dans le nord de la Grande-Bretagne ont été fouillés en Ulster (poterie de Lyle's Hill) et à Limerick. Les bols à large ouverture et à fond rond sont typiques de cette vaisselle. [29]

Cela suit un modèle similaire à celui de l'Europe occidentale ou à l'apparition progressive du néolithique, comme on le voit dans La Hoguette Culture of France et Impressed Cardial Ware Culture d'Iberia. L'avancée de la culture céréalière ralentit nettement au nord de la France. Certaines variétés de céréales telles que le blé étaient difficiles à cultiver dans les climats froids, mais l'orge et le seigle allemand étaient des substituts appropriés. On peut spéculer [ Par qui? ] que l'aspect DQ2.5 de l'haplotype AH8.1 pourrait avoir été impliqué dans le ralentissement de la culture des céréales en Irlande, en Écosse et en Scandinavie puisque cet haplotype confère une sensibilité à une maladie induite par la protéine Triticeae ainsi qu'au diabète de type I et à d'autres maladies auto-immunes qui peuvent avoir surgi comme un résultat indirect de la néolithisation. [ citation requise ]

Certaines régions d'Irlande présentaient des modèles de pastoralisme qui indiquaient que certains peuples néolithiques continuaient de se déplacer et que les activités pastorales dominaient les activités agraires dans de nombreuses régions ou qu'il y avait une division du travail entre les aspects pastoraux et agraires du néolithique. À l'apogée du néolithique, la population de l'île dépassait probablement 100 000, et peut-être jusqu'à 200 000. Mais il semble qu'il y ait eu un effondrement économique vers 2500 avant JC, et la population a diminué pendant un certain temps.

Monuments Modifier

La caractéristique la plus frappante du néolithique en Irlande était l'apparition soudaine et la prolifération spectaculaire de monuments mégalithiques. Les plus grandes de ces tombes étaient clairement des lieux d'importance religieuse et cérémonielle pour la population néolithique, et étaient probablement des tombes communales utilisées pendant une longue période. Dans la plupart des tombes qui ont été fouillées, des restes humains - généralement, mais pas toujours, incinérés - ont été trouvés. Des objets funéraires – poteries, pointes de flèches, perles, pendentifs, haches, etc. – ont également été découverts. Ces tombes mégalithiques, dont plus de 1 200 sont maintenant connues, peuvent être divisées pour la plupart en quatre grands groupes, qui auraient tous été à l'origine recouverts de terre, qui dans de nombreux cas a été érodée pour laisser les impressionnantes charpentes de pierre :


Art ancien des Celtes

Art ancien des Celtesse caractérise par le vide d'horreur appliqué aux dessins, bien que des représentations artistiques minimalistes soient également parfois rencontrées. Ils sont pleins de couleurs et beaucoup d'imagination se délectant de dessins complexes, d'éléments géométriques et stylisés qui ont été utilisés plus tard comme inspiration par les artistes chrétiens dans la confection de manuscrits enluminés exceptionnels et magnifiques dans l'art celtique médiéval ou dans la période de l'art insulaire par les moines celtiques.

Les premiers vestiges artistiques fondés sur la culture celtique comprennent de nombreuses représentations stylisées d'oiseaux, d'animaux et d'humains, fabriqués avec une telle maîtrise, des détails et une fluidité qu'ils donnent vraiment l'impression d'être pleins de vie et de mouvement. Ils ont produit des objets en métal, des sculptures sur pierre et sur bois sophistiqués et décorent ces objets avec une variété de motifs géométriques, noués et en spirale, d'animaux stylisés et de figures humaines.

art celtique est ornementale, évitez les lignes droites et n'utilisez qu'occasionnellement la symétrie. Les figures stylisées permettent de combiner des manières délicates de représentation qui peuvent être appréciées différemment selon la position dans laquelle le spectateur observe l'objet. Leur art contient souvent un symbolisme complexe dans lequel les motifs, les nombres et leur répétition conforment l'ensemble du dessin de la figure.

Les motifs géométriques sont sous le contrôle des lignes arrondies et une variété infinie de tourbillons, de courbes et d'autres formes, parfois avec une apparence de forme vaguement naturelle suggérant une forme végétale ou animale bien indéfinie au lieu d'une forme naturelle et claire définie. Mais il était caractéristique de les Celtes à éviter dans leur art toute imitation exacte du monde naturel, ils ont tendance à les styliser comme mentionné précédemment, représentant le concept abstrait, réduisant leurs conceptions par exemple à une pure décoration.

Ces conceptions et motifs complexes ont été appliqués aux armes, aux ornements et à la maison de toutes sortes, en or, bronze, bois, pierre, céramique et peut-être aussi en textile et en tissus.

Dans le but de mieux étudier l'art et la culture celtiques, ont été subdivisés en différentes périodes par une équipe multidisciplinaire de spécialistes. De nouvelles connaissances sur cette culture font actuellement surface à partir des fouilles archéologiques permettant à cette nomenclature d'être plus adéquate. Les nouvelles découvertes permettent de mieux comprendre en identifiant les différences entre les artefacts et leur relation avec le lieu et le moment de la création.

Différentes périodes de l'art et de la culture celtique :

Aucun vestige architectural n'a survécu intact depuis les premiers ancien période des Celtes, bien que des études archéologiques récentes dans un lieu appelé Castell Henllys aient permis de reconstituer certains aspects du constructeur de maisons rondes par les Celtes à l'époque de l'âge du bronze.

Dans un endroit près de Salzbourg, en Autriche a été découvert à Hallstatt, des reliques d'environ 750 à 400 av. y a été trouvé. Des épées de fer faisaient également partie du groupe dont les poignées et les fourreaux sont richement décorés d'or, d'ivoire et d'ambre. La culture de Hallstatt a produit de l'art avec des ornements géométriques, mais marqué par des motifs de lignes droites et de rectangles plutôt que de courbes.

Le travail de l'émail était néanmoins un exemple de la maîtrise développée par les Celtes britanniques avant la conquête romaine, ce qui signifie que certaines compétences comme celle-ci ont été développées par eux avant même d'avoir le moindre contact avec les Romains. L'art des Celtes d'Irlande reste longtemps fort et pur car ni les Romains ni les autres cultures n'ont envahi ce pays depuis des siècles.

La culture et l'art anciens des Celtes au long de leur ligne d'évolution ne semblent nullement avoir inventé de nouvelles idées, ils avaient une aptitude extraordinaire néanmoins à capter les connaissances des différents peuples avec lesquels la guerre ou le commerce les ont mis en contact, ils reçoivent des influences artistiques des étrusques, grecques, Les cultures romaine, phénicienne et orientale et cette richesse de techniques, de styles et de savoir-faire artisanal furent largement exploitées par les Celtes qui les maîtrisèrent toutes avec des capacités surprenantes, léguant à leurs successeurs un riche héritage culturel et artistique.

Le chaudron de Gundestrup. Avec la permission du Musée national du Danemark.

Monolithique celtique.


Art celtique antique

L'art des Celtes est généralement associé à l'art ornemental composé de motifs répétitifs, de spirales, de nœuds, de feuillages et de formes animales. L'art celtique est essentiellement facile à identifier en raison de ces caractéristiques reconnaissables, mais les Celtes eux-mêmes sont plus difficiles à définir. Les peuples celtes sont associés à une vaste zone géographique et leurs traditions sont enracinées dans diverses cultures sur de longues périodes.

Vers 800 av. L'art celtique était évident dans une grande partie de l'Europe. Ce style continental de l'art celtique, bien que moins sophistiqué que les styles ultérieurs, est apparu à l'âge du fer. Ses conceptions présentent souvent une symétrie axiale. Souvent, des objets fonctionnels comme des crochets de ceinture ou des récipients à vin étaient les supports des premiers travaux décoratifs de style celtique. Cette ère de l'art, qui allait être connue sous le nom de période Hallstatt, a vu la sculpture de bijoux, de perles, de statues et même de vaisselle.

Au fur et à mesure que les traditions de l'art celtique se sont poursuivies, leur style s'est associé aux personnes de la culture de La Tène. Alors que la culture de La Tène s'est développée à partir des premiers peuples de l'âge du fer de la région, elle montre une influence méditerranéenne marquée. Les traditions celtiques sont devenues de plus en plus répandues dans des régions comme les îles britanniques vers 500 avant JC et s'étendaient jusqu'à la mer Noire. L'art est devenu plus sophistiqué et a incarné des caractéristiques méditerranéennes plus classiques. Il y avait certainement une influence grecque et romaine aussi ce qui n'est pas surprenant vu la proximité des groupes concurrents. La métallurgie a continué à utiliser des conceptions celtiques révélatrices qui étaient richement symboliques. En outre, l'utilisation de l'émail rouge a commencé à apparaître dans divers articles comme les amulettes et les vases.

L'art celtique d'Irlande est particulièrement remarquable, cependant, car il est resté relativement intact pendant l'Empire romain. Sa pratique de l'art de style La Tène a évolué pour incorporer des influences scandinaves. L'orfèvrerie complexe et symbolique était une forme populaire d'art des îles britanniques. Certains trésors d'art celtique célèbres de cette région comprennent le calice Ardagh et la broche Tara. En outre, certaines régions et leurs habitants, comme les Pictes, ont ajouté leur propre cachet aux traditions de l'art celtique. Au fil du temps dans les îles britanniques, le travail en filigrane a développé une haute sophistication et l'illumination de textes a obtenu un statut presque légendaire comme dans les célèbres évangiles de Lindisfarne.

L'art celtique a souvent fusionné avec de nouvelles influences telles que le christianisme, comme en témoignent les croix celtiques extrêmement décoratives telles que la haute croix de Muiredach du Xe siècle. Au fur et à mesure que de plus en plus de monastères irlandais ont été créés, le besoin d'objets décoratifs a augmenté. Pour cette raison, l'art celtique est fréquemment associé à l'Irlande et ailleurs dans les îles britanniques, bien que sa riche histoire englobe également de vastes étendues d'Europe continentale. Le Moyen Âge a été le témoin d'une spectaculaire Renaissance celtique en Irlande, connue sous le nom d'art insulaire, qui est également généralement placée sous l'égide de l'art celtique. Pourtant, peu importe où l'on trouve l'art celtique, il a tendance à utiliser des traits similaires comme l'ornement animal, les formes géométriques, les motifs clés et les boucles imbriquées, des conceptions qui sont incontestablement celtiques.


7. Ils ont adoré un grand nombre de dieux et de déesses

Il y avait des centaines de dieux et de déesses dans le panthéon celtique, et certains d'entre eux étaient si niches qu'une seule tribu ou même une seule famille les adorait. Les druides, qui dirigeaient les cérémonies religieuses, étaient en charge des rituels qui incluaient des sacrifices. Ces cérémonies avaient généralement lieu dans des sanctuaires situés dans des endroits naturels tels que des collines et des ruisseaux, mais certaines cérémonies secrètes se déroulaient dans des bosquets sacrés cachés. Les druides étaient très importants dans la société celtique car ils servaient de juges, d'enseignants et de gardiens du savoir.


Chronologie de la sculpture celtique antique - Histoire

"Les habitudes alimentaires et de fête des Celtes ont été enregistrées par un certain nombre d'écrivains classiques, le plus important d'entre eux étant Posidonius, un philosophe grec syrien qui, dans ses Histoires, fournit des témoignages oculaires sur les Gaulois au 1er siècle avant JC. Bien que son travail ne pas survivre intact, c'était une source importante d'informations pour un certain nombre d'écrivains grecs ultérieurs, notamment Diodorus Siculus (Ier siècle avant JC) et Athénée (fl. C. AF 200). la littérature de la saga, dont une grande partie est censée refléter la société celtique de l'âge du fer. Athénaus, citant Posidonious, décrit les arrangements informels des festins des Celtes comme suit : « les Celtes placent de l'herbe séchée sur le sol quand ils prennent leurs repas, en soulevé légèrement du sol. Le matériel classique indique que la fête était centrée autour du chaudron et des broches à rôtir et était caractérisée par une abondance de viande rôtie et bouillie, qui était mangée à mains nues. la fête était une manifestation cérémonielle de la nature belliqueuse de la société.
---Compagnon d'Oxford à la nourriture, Alan Davidson [Oxford University Press:Oxford] 1999 (p. 149-50)
[REMARQUE : Ce livre contient beaucoup plus d'informations que ce qui peut être paraphrasé ici. Il cite également des sources pour une étude plus approfondie. Votre bibliothécaire peut vous aider à en trouver une copie.]

« Les Celtes, comme leurs prédécesseurs, préparaient leur viande en la rôtissant ou en la mijotant. Les deux méthodes sont devenues plus faciles après l'introduction des ustensiles en métal. Le bronze, connu en Grande-Bretagne dès son introduction au milieu du IIe millénaire avant J. armes, couteaux ou bijoux. L'inspiration pour les chaudrons de viande est venue des colonies commerciales grecques sur les côtes méditerranéennes françaises. Leurs récipients en tôle de bronze rivetée ont été vus et copiés par des forgerons irlandais itinérants vers le VIIIe ou VIIe siècle av. fabriqués en Grande-Bretagne aussi, bien qu'ils fussent rares au début et étaient probablement réservés aux repas rituels plutôt qu'à un usage quotidien. Le métal présentait de nombreux avantages pratiques par rapport à la poterie. Les nouveaux récipients pouvaient être placés directement au-dessus des flammes d'un feu. Ils n'étaient pas responsables être brisés par surchauffe ou par chute accidentelle. Ils étaient encore plus hygiéniques, car ils pouvaient être nettoyés avec du sable ou demander et arroser plus abondamment que pots en terre cuite."
---Nourriture et boissons en Grande-Bretagne de l'âge de pierre au XIXe siècle, C. Anne Wilson [Académie Chicago:Chicago] 1992 (p. 67)
[REMARQUE : Ce livre est une excellente source pour votre projet. Il est classé par groupe d'aliments généraux (céréales, pains, viandes, légumes, etc.) puis par période. Chaque chapitre contient des pages consacrées aux aliments/méthodes de cuisson celtiques de l'âge du fer. Exemple ci-dessous. Demandez à votre bibliothécaire de vous aider à trouver un exemplaire de ce livre.]

Moi à:
« Les repas chez les Celtes en Gaule ont été décrits par Posidonius (135-51 av. et mordant la viande, tandis que toute partie difficile à arracher, ils la transperçaient avec un petit poignard qui pend attaché à la gaine de leur épée dans son propre fourreau". Ils étaient servis par leurs fils et filles aînés. A côté d'eux se trouvent des foyers flamboyant de feu, avec des chaudrons et des broches contenant de gros morceaux de viande. Braves guerriers qu'ils honorent avec les plus belles portions de la viande. L'âge du fer celtique a vu l'établissement du sel travaillant autour des côtes britanniques. Le sel a aidé à conserver la viande pour l'hiver, et en particulier le porc si apprécié des Celtes. Les jambons préparés par leurs voisins de Gaule ont été exportés à Rome comme un mets délicat. mais nous ne connaissons aucun détail sur les viandes salées de Bretagne.Selon une recette italienne du milieu du IIe siècle av. et du vinaigre, et ils ont fumé pendant deux jours supplémentaires. Il est probable que les Britanniques celtiques aient suivi des pratiques similaires, à l'exception de la vinaigrette à l'huile et au vinaigre. "
---Nourriture et boissons en Grande-Bretagne (p.68)

« Les Celtes, qui ont commencé à s'installer en Grande-Bretagne à partir du VIIIe siècle avant JC, ont ajouté des poules, des canards et des oies à la liste des animaux domestiques de Grande-Bretagne. Les Celtes ont été les premiers à reconnaître que le sol de la Grande-Bretagne est plus fertile que celui de l'Europe continentale, et ils ont défriché les forêts pour planter des céréales et permettre aux pâturages de pousser pour le pâturage. bœuf vers le continent. Les Celtes ont également labouré le sol avec tant de succès qu'ils ont exporté des céréales dans de nombreuses régions d'Europe. En Grande-Bretagne, ils ont construit des silos souterrains de stockage de céréales. Les Celtes ont transformé le blé en mettant le feu aux épis, puis en éteignant le feu lorsque les cosses étaient brûlé. Le blé était ensuite vanné et cuit, et des querns de selle étaient utilisés pour le moudre en farine. Ces agriculteurs industrieux ont également commencé l'apiculture, avec des ruches coniques en osier enduites de boue ou d'un g. Ils utilisaient des pots en terre cuite peu profonds comme récipients à boire, tandis que des pots plus profonds étaient fabriqués pour cuire lentement des potages (mélanges de viande, de céréales, de feuilles, de racines et d'herbes) sur un feu. Le miel et l'eau, laissés ensemble dans une casserole, fermentent, et cette boisson - l'hydromel - était souvent aromatisée avec des herbes et des fruits sauvages. Certains laits de vache, de brebis et de chèvre auraient pu être bu frais, mais la plupart auraient été transformés en fromage et seul le lactosérum aurait été bu. Les Celtes fabriquaient une bière non houblonnée à partir d'orge et de blé, permettant d'abord au grain de germer, puis d'arrêter ce processus par la chaleur et de le laisser fermenter. Enfin, ils ont également importé du vin et, plus tard, ont commencé à cultiver eux-mêmes la vigne."
---Cambridge Histoire mondiale de l'alimentation, Kenneth F. Kiple et Kriemhild Conee Ornelas [Cambridge University Press : Cambridge] 2000, Volume Deux (p. 1217-8)
[NOTE : la page 1217 contient un résumé des aliments connus dans les îles britanniques avant les Celtes. Vraisemblablement, ces aliments étaient également connus de ces peuples.]

  • Nourriture et boissons dans la préhistoire Europe/Jacqui Wood
  • Cuisine préhistorique, Jacqui Wood (comprend des recettes modernisées)
  • "Les Celtes," La nourriture dans le monde antique, Joan P. Alcock (p. 172-180)

Que mangeaient les Irlandais avant l'arrivée de la pomme de terre ?
Les livres d'histoire de l'alimentation passent des plats celtiques antiques à la fin du XVIIe siècle, lorsque les Irlandais ont adopté la pomme de terre. Certes, la nourriture ne s'est pas arrêtée pendant des siècles. "La nourriture irlandaise avant la pomme de terre", A.T. Lucas, Gwerin : un journal semestriel de la vie populaire, Volume III, No. 2, 1960 (p. 3-43) explore cette période en profondeur. Les informations sont regroupées par type d'aliment : viande, pain, lait, fromage, maïs (grain), beurre, boissons. Cet article scientifique n'est pas disponible via Internet ou les bases de données académiques. Vous pouvez le lire ici, en trois cours courts : I, II & III.

Les choux et leurs cousins ​​étaient connus des anciens cuisiniers. On pensait qu'ils avaient plusieurs attributs médicinaux. Les Romains auraient introduit les choux en Europe, à l'exception peut-être de l'Irlande, où [Selon C. Anne Wilson/Nourriture et boissons en Grande-Bretagne(1973)], des preuves linguistiques suggèrent qu'il était déjà connu des Celtes de l'âge du fer. Dans l'Europe médiévale, le chou/le chou (souvent en combinaison avec des membres de la famille des oignons) étaient la nourriture de l'homme du commun. Les pommes de terre ont été introduites en Europe par des explorateurs du XVIe siècle. Ils ont d'abord été considérés comme des curiosités, pas facilement embrassées comme nourriture. Les Français, puis les Irlandais, ont été parmi les premiers à reconnaître que les pommes de terre pouvaient empêcher une nation de mourir de faim. Les recettes de plats de pommes de terre et de chou étaient inévitables. Ces plats élaborés selon le goût collectif et l'expérience culinaire.

"Colcannon. À l'origine et plat irlandais de pommes de terre bouillies et de chou ou de chou frisé écrasés ensemble et aromatisé avec de l'oignon, des échalotes ou des poireaux et de la crème ou du beurre. Le mot 'colcannon' vient du gaélique cal ceannann' qui signifie littéralement chou à tête blanche. Cependant, la partie "canon" du nom pourrait être un dérivé du vieux cainnenn irlandais, traduit différemment par ail, oignon ou llek. Par conséquent, on peut suggérer que dans sa forme la plus ancienne, le colcannon aurait pu être un simple mélange de quelques brassicacées. L'une des premières références irlandaises à ce plat comme une purée de pommes de terre et de choux se trouve dans le journal de Wiliam Bulkely, de Bryndda, près d'Amlwch à Anglesey, qui a fait deux voyages à Dublin en 1735. Le plat a été introduit dans Angleterre au 18ème siècle, où il est devenu un favori des classes supérieures. En Irlande, le colcannon était traditionnellement associé aux festivités d'Halloween (31 octobre), lorsqu'il était utilisé à des fins de divination du mariage. Charmes cachés dans un bol s de colcannon étaient les présages d'une demande en mariage si les filles célibataires avaient la chance de les trouver, tandis que d'autres remplissaient leurs chaussettes de cuillerées de colcannon et les suspendaient à la poignée de la porte d'entrée dans la conviction que le premier homme à franchir la porte deviendrait leur futur mari."
---Compagnon d'Oxford à la nourriture, Alan Davidson [Oxford University Press:Oxford] 1999 (p. 203)

"Il y avait des variantes, si rares, même que les pauvres mangeaient. L'un était le colcannon, ou cale-canon, des navets ou du chou écrasés avec des pommes de terre et mijotés. (Une version du nord, populaire dans le comté d'Armagh, a substitué les haricots aux navets et au chou .) Colcannon est entré dans l'usage anglais en 1774, mais le plat peut être plus ancien.Ce qui est plus certain, c'est que le colcannon était un régal - peu de propriétaires de chalets cultivaient des navets ou des choux. Cela ne l'a pas empêché de devenir un mets délicat, car les paysans auraient aimé voler de temps en temps les ingrédients manquants. Lorsque les immigrants irlandais sont arrivés aux États-Unis, ils ont introduit le colcannon dans la cuisine américaine."
---La pomme de terre : comment l'humble Spud a sauvé le monde occidental, Larry Zuckerman [North Point Press : New York] 1998 (p. 32)

[1847]
"Chou et pommes de terre.
--Couper assez finement le chou bouilli froid et les pommes de terre les mettre ensemble, assaisonner avec du beurre, du poivre et du sel, ajouter un peu de vinaigre ou d'eau chaude, humidifier sans le mouiller, le mettre dans une casserole sur le feu, remuer le bien, afin qu'il puisse être bien chauffé, mais pas brûlé, puis prenez-le dans un plat et servez-le pour le petit-déjeuner, ou avec de la viande salée bouillie froide pour le dîner. »
---Le livre de cuisine américain de Mme Crowen, Mme T. J. Crowen [Dick & Fitzgerald : New York] 1847 (p. 194)

[1875]
" Colcannon.
--Faire bouillir séparément des poids égaux de jeunes choux, de savoie ou d'épinards et de pommes de terre. Hachez les légumes verts et écrasez les pommes de terre, et mélangez-les bien avec un peu de poivre et de sel, et une once de beurre pour une livre de légumes mélangés. Faites chauffer le mélange sur le feu pendant quelques minutes en remuant tout le temps puis pressez-le dans un moule chaud et bien beurré. Démoulez et servez. Ou bien, pressez-le après l'avoir mélangé dans un moule bien beurré, et mettez-le au four pendant une demi-heure. Démoulez et servez. Les légumes froids peuvent être réchauffés de cette manière. Coût probable, 6d. pour un moule à pinte. Suffisant pour trois ou quatre personnes."
---Dictionnaire de cuisine de Cassell avec de nombreuses illustrations [Cassell, Petter, Galpin & Co. : Londres] 1875 (p. 150)

[années 1960]
" Colcannon.

Ingrédients : À chaque 2 lb de pommes de terre cuites tamisées, ajoutez 1/2 lb de chou vert tamisé, cuit avec du bacon, si possible. 1 cuillère à café d'oignon émincé 1 oz. beurre 1 cuillère à soupe de crème 1/2 cuillère à café de poivre 1/2 cuillère à café de sel.
Méthode : Cuire les pommes de terre à la vapeur pendant 3/4 à 1 heure. Peler et passer au tamis. Ajouter le chou tamisé chaud. Faire fondre le beurre, ajouter l'oignon, le lait et l'assaisonnement. Placez-le sur feu doux, ajoutez le mélange de légumes et faites bien chauffer mais ne laissez pas bouillir. Servir très chaud. Pour six personnes."
---250 recettes irlandaises : traditionnelles et modernes, [Mounth Salus Press : Dublin] 196 ? (p. 76-77)

"Le ragoût irlandais est un plat irlandais célèbre, mais sa composition est sujette à controverse. Les puristes soutiennent que les seuls ingrédients acceptables et traditionnels sont les côtelettes de mouton ou le chevreau, les pommes de terre, les oignons et l'eau. D'autres ajouteraient des éléments tels que les carottes, les navets , et l'orge perlé mais les puristes soutiennent qu'ils gâchent la vraie saveur du plat. Les ingrédients sont bouillis et mijotés lentement pendant jusqu'à deux heures. Le mouton était l'ingrédient dominant parce que l'importance économique des moutons résidait dans leur laine et leur lait, et cela fait en sorte que seuls les animaux âgés ou économiquement non viables finissent dans la marmite, où ils ont besoin d'heures d'ébullition lente. Le ragoût irlandais est le produit d'une tradition culinaire qui reposait presque exclusivement sur la cuisson sur un feu ouvert. Il semble que le ragoût irlandais a été reconnu dès 1800 environ. »
---Compagnon d'Oxford à la nourriture, Alan Davidson [Oxford University Press:Oxford] 1999 (p. 407)

[1826]
"764. Ragoût irlandais

Après avoir pris la graisse détachée d'une longe ou d'un cou de mouton, coupez-en trois à quatre livres en petites côtelettes bien formées. Aplatissez-les et assaisonnez-les de sel et d'épices mélangées. Épluchez six ou huit oignons et épluchez une quantité de pommes de terre. Déposez du suif râpé au fond d'une casserole et une demi-pinte de bouillon, ou faites fondre deux onces de beurre. Couper une couche de pommes de terre, puis une couche de côtelettes, puis parsemer les oignons, puis à nouveau les pommes de terre et les côtelettes, etc. et laissez le dessus être recouvert de pommes de terre. Un jarret ou un petit morceau de jambon, ou un morceau de langue fumée, ou un peu de chair à saucisse, est un excellent ajout à ce plat familial préféré. Il doit cuire très lentement, et la casserole doit être étroitement et constamment couverte. La pomme de terre Mshed fait une excellente pâte saine pour couvrir les pâtés à la viande de toutes sortes, en particulier les pâtés à la viande grasse.--Obs. Certains cuisiniers enroulent une vieille serviette autour du couvercle de la marmite, ce qui forme une sorte de scellement pour dresser ce plat et d'autres. Il existe une sorte de four de cottage utilisé en Irlande, sous la forme d'une large marmite, en fonte, avec un couvercle de même épaisseur, sur lequel on met des braises de tourbe. Ceci est placé sur d'autres braises, et une chaleur lente égale est maintenue, qui habille un ragoût, cuit un pudding ou un peu de viande, et se trouve très utile à d'autres moments comme un pot de cottage. La tourte du chasseur est une autre excellente forme de ragoût irlandais, sauf qu'elle est parfois faite de côtelettes de bœuf au lieu de côtelettes de mouton, puis les pommes de terre sont toujours en purée. Placez les pommes de terre, la viande et les oignons en couches alternées dans un plat à tarte en terre cuite, et faites-les cuire au four. Un ragoût irlandais à la mode est cuit dans un moule, en cocotte, et s'est avéré une fois servi."
---Le manuel du cuisinier et de la femme au foyer, Maîtresse Margaret Dods [Mme. Isobel Christian Johnston], fac-similé 4e édition révisée et augmentée 1829 [Rosters Ltd:London] 1988 (p. 377-378)

[1875]
"Ragoût irlandais.

Prenez deux ou trois livres de côtelettes du meilleur bout d'un col de mouton, et enlevez presque tout le gras, car un ragoût irlandais ne doit pas être gras. Si vous le souhaitez, une partie de la poitrine peut être coupée en carrés et utilisée, mais un cou de mouton est le meilleur joint à cet effet. Prenez autant de pommes de terre que de quantité après avoir épluché à deux fois le poids de la viande. Coupez-les en tranches et émincez également huit gros oignons. Mettez une couche de pommes de terre et d'oignons mélangés au fond d'une casserole. Placez la viande dessus et assaisonnez-la abondamment avec du poivre et légèrement avec du sel. Bien emballer les ingrédients et recouvrir la viande d'une autre couche de pommes de terre et d'oignons. Versez autant d'eau ou de bouillon que possible pour humidifier la couche supérieure, couvrez hermétiquement la casserole et laissez son contenu mijoter doucement pendant trois heures. Faites attention de ne pas retirer le couvercle, car cela laisserait échapper la saveur."
---Dictionnaire de cuisine de Cassell avec de nombreuses illustrations [Cassell, Petter, Galpin & Co. : Londres] 1875 (p. 331)

[1936]
Le ragoût irlandais de Dinty Moore.

[1956]
"Ragoût irlandais

Pour chaque livre de viande, prévoyez 2 livres. pommes de terre, 1/2 lb d'oignons et juste assez d'eau pour couvrir. (Un peu de ketchup aux champignons ou quelques champignons épicés est un bon ajout, mais pas classique.)
2 lb. scrag ou milieu du cou de mouton
4 livres. pommes de terre
1 lb d'oignons
assaisonnement et 1 pinte d'eau
un bouquet d'herbes mélangées
2 feuilles de laurier
Couper la viande en escalopes. Enlevez le gras, coupez les pommes de terre en deux et les oignons en tranches épaisses. Mettez dans la poêle une couche de pommes de terre, puis la viande, encore les pommes de terre et tous les autres ingrédients. Couvrir hermétiquement et laisser mijoter doucement pendant 2 à 2 1/2 heures. Attention, ça ne colle pas. et schistez le moule de temps en temps. Ce plat ne doit pas être bâclé, la consistance doit être épaisse et crémeuse et il doit être très bien assaisonné. Les pruneaux épicés ou farcis sont excellents avec. S'ils sont farcis, ils sont dénoyautés et farcis de chair de pruneaux."
---Le livre de cuisine Constance Spry, Constance Spry et Rosemary Hume [Pan Books Ltd.:Londres] 1956 (p. 570-571)

[années 1960]
"Ragoût irlandais

Ingrédients : 2 lb de poitrine de mouton ou 1 1/2 lb de côtelettes de gigot 5 oignons de taille moyenne 2 lb de pommes de terre poivre et sel 1 pt. eau froide 1 cuillère à café de persil haché.
Méthode : Coupez la viande en morceaux nets, en enlevant la peau et le gras excédentaire. Toute la graisse n'est pas enlevée car les pommes de terre en contiendront une certaine quantité. Mettez la viande dans le fond d'une casserole, puis mettez-y la pomme de terre et l'oignon émincés. Assaisonner de poivre et de sel. Ajouter l'eau, porter à ébullition, écumer, laisser mijoter 1 heure. Disposer le reste des pommes de terre et de l'oignon sur le dessus, couvrir et laisser mijoter encore une heure. Lorsque le ragoût est cuit, servez sur un plat chaud avec les pommes de terre et l'oignon autour et la viande au centre. Versez un peu de sauce dessus et servez le reste dans une saucière chaude. Garnir de persil."
---250 recettes irlandaises : traditionnelles et modernes, [Mounth Salus Press : Dublin] 196 ? (p. 54-55)
[REMARQUE : « Un gigot est la patte arrière d'un animal à viande dans l'usage courant. limité à l'agneau, mais autrefois également utilisé pour le veau, la venaison, etc. »---Un AZ de nourriture et de boisson, John Ayto [Oxford University Press:Oxford] 2002 (p. 140)]

"Le réveillon du Nouvel An. La dernière nuit de la vieille année était connue en irlandais sous le nom d'Oiche na Coda Moire - La nuit de la grande portion - en raison de la croyance qu'un grand souper ce soir-là assurait plein et abondance pour l'année pour Aucune nourriture ne devrait sortir de la maison la veille du Nouvel An. N'importe quelle autre nuit de l'année, un voyageur affamé ou un sans-abri peut s'attendre à recevoir l'hospitalité, mais cette nuit-là, la nourriture et les boissons étaient données à contrecœur, si du tout. Il valait mieux ne pas demander. Cette coutume remontait à l'époque où le succès ou l'échec des récoltes faisait toute la différence entre la famine et l'abondance. Des sorts et des incantations étaient invoqués pour se prémunir du danger. C'était la coutume des femme de la maison dans de nombreuses régions du pays pour faire cuire une grande brack barm la veille du Nouvel An. À l'approche de la nuit, l'homme de la maison a pris trois bouchées du gâteau et l'a précipité contre la porte d'entrée au nom de la Sainte Trinité , exprimant le trou pieux que la famine pourrait bannir ed d'Irlande. Une fois la cérémonie de bannissement terminée, les fragments du gâteau étaient ramassés et mangés par la famille. À Imokilly, dans le comté de Cork, ils avaient pour coutume de jeter les miettes à la porte et aux fenêtres pour prouver que personne à l'intérieur n'avait faim. Une version un peu plus agréable de cette coutume de l'ouest de Limerick est donnée par Kevin Danaher dans L'année en Irlande. La porte a été frappée trois fois avec un gros gâteau pendant que le chef de famille récitait. 'Le bonheur dedans et le malheur de dehors De ce soir à cette nuit douze mois Au nom du Père et du Fils et du Saint-Esprit, Amen' les cloches de l'église sonnent, les sirènes hurlent, les feux brûlent, les gens se donnent la main à minuit et chantent 'Auld Lang Syne'--ce sont maintenant les manières habituelles d'accueillir la nouvelle année. Le jour de l'An a toujours été connu sous le nom de La na gCeapairi - le jour du pain beurré. C'était peut-être un talisman contre la faim, ou pour montrer que la nourriture était abondante. Des sandwichs de pain et de beurre ont été placés devant la porte ce matin."
---Terre de lait et de miel : l'histoire de la nourriture et des boissons irlandaises traditionnelles, Brid Mahon [Mercier Press:Boulder CO] 1991 (p. 146-148)

Lecture recommandée:
"La nourriture irlandaise avant la pomme de terre", A.T. Lucas, Gwerin : un journal semestriel de la vie populaire, Tome III, n° 2, 1960 (p. 8-43)
Terre de lait et de miel : l'histoire de la nourriture et des boissons irlandaises traditionnelles/Brid Mahon
---meilleure histoire globale
Un peu d'histoire de la cuisine irlandaise/Régina Sexton
---recommandé par les historiens culinaires
Compagnon d'Oxford à la nourriture/Alan Davidson
--- comprend des entrées séparées pour les plats traditionnels
Vous mangez ce que vous êtes : les gens, la culture et les traditions alimentaires/Thelma Barer-Stein
--- aliments populaires, coutumes culinaires, repas de vacances et glossaire. Grades 4-12.

La bibliothèque FoodTimeline possède plus de 2300 livres, des centaines de brochures d'entreprises alimentaires américaines du XXe siècle et des dizaines de magazines vintage (Bon entretien de votre maison, Cuisine américaine, Journal de la maison des dames &c.) Nous avons également un accès facile aux bases de données historiques de magazines, de journaux et d'universitaires. Le service est gratuit et accueille tout le monde. Avoir des questions? Interroger!


Voir la vidéo: Ancient Origins of the Celts - Ancient Civilizations DOCUMENTARY (Juin 2022).


Commentaires:

  1. Sabar

    Je ne dirais probablement rien

  2. Rowell

    Je suis désolé, bien sûr, mais ça ne rentre pas.Il y a d'autres options?

  3. Bertrand

    C'est ici si je ne me trompe pas.



Écrire un message